el club de la esquina

Future materials, Copa FAD 2009, Martín Azúa y Citoplasmas

2009-06-09T10:43:00.002+02:00

La copa se hace real con el sencillo gesto de verter un líquido, la copa se revela, una copa fluida y efímera para una nueva era donde los materiales serán los protagonistas. Citoplasmas ha sido el encargado de plasmar este material del futuro, generador de forma, de innovación y de sostenibilidad. La copa solamente és, existe, durante su uso. Citoplasmas
Con una puesta en escena muy contenida, Citoplasmas convierte la presentación de un nuevo material, Glass, creado por el FAD y el diseño de Martín Azúa, en un juego de manos en el que un elemento líquido toma diferentes formas: onduladas, concéntricas, etc. El protagonista de realizar esos mágicos juegos malabares es el propio Martín Azúa. Por su sencillez y poesía, el vídeo tiene tiene una gran fuerza expresiva.
Citoplasmas ha trabajado para Veterinarios sin fronteras y ha hecho pequeños cuentos animados para la televisión francesa, historias llenas de lirismo que cada vez se hacen más sabias.

Future materials, Copa FAD 2009 from citoplasmas on Vimeo.

I drink your bath water, 2008 Pipilotti Rist para Human Rights

2009-06-06T19:59:00.011+02:00

Pipilotti Rist acomete el encargo de Human Rights desde sí misma al presentar una obra cercana a sus vídeos anteriores que defienden el arte que, como tal, es capaz de incidir en la sociedad y en la vida de las personas.

"Mi película nos ayuda a aceptar que somos más bien similares a un gusano húmedo......
El conocimiento y el arte pueden iluminar a la gente y hacerles pensar democráticamente, y los hace menos vulnerables a la desviación de poder. Quiero contribuir a esa tendencia." contesta en una entrevista sobre su contribución a la película Stories on Human Rights.

Dangerous Games, 2008, Marina Abramovic

2009-06-02T11:26:00.007+02:00

"Hay otros significados, es mucho más sobre el fruto de nosotros mismos. Los niños son nuestro futuro, nuestro destino, qué les espera a nuestros hijos en una sociedad corrupta, violenta. Si le pides a un niño de cinco años que interprete una ejecución, sabe perfectamente cómo hacerlo. Lo ven en la televisión, en Internet, en todas partes. Es a lo que están expuestos. Y eso pasa en todas partes, pregunten a los niños españoles. Eso es lo que estamos haciendo a los niños, que son nuestro futuro y son el futuro de este planeta. Así que es sobre la humanidad, no es político". Marina Abramovic entrevistada por Isabel Laffont
Vamos a poder ver la obra deMarina Abramovic en varios centros de exposiciones. Actualmente está en Gijón en la iglesia de la Laboral. El trabajo trata de la violencia, de la extrema violencia que se sufre en muchos lugares y que rompe nuestro instinto básico de especie y nuestro sentimiento primario de ser humano al hacer partícipes directos de ella a los niños (y víctimas) y cómo esta violencia se representa impunemente y de manera voyeur en los medios de comunicación.
Marina Abramovic no es ajena a la violencia. Nacida en 1946 en Belgrado, sus padres lucharon como guerrilleros y ella misma en sus performances pone su cuerpo en situaciones de extremo peligro. Sus referencias a la muerte y a su propia muerte son contínuas ver Cleaning the mirror o como la representación de su propia muerte próximamente en el Teatro Real de Madrid a principios del año 2010.
Dangerous Games forma parte del proyecto de la Laboral. Este corto está rodado en el 2008 para la conmemoración de los Derechos Humanos, se rodó en Laos con un grupo de niños que reconstruyen escenas de guerra en la permeable frontera donde el juego y la trágica realidad conviven.

Seguimos con Visionarios en el Museo Reina Sofia, Dos veces adios,Nicolás Grum

2009-05-30T09:58:00.003+02:00

Yo también he tenido mi momento Scarlett y me dije: "A Dios pongo por testigo que nunca...... que nunca volveré a ver una película más de valientes confederados y yanquees generosos" . Quizá por ello, durante la visión de Dos veces adiós, estuve pensando que a la chica de la izquierda le robaban la bicicleta lo que hubiese sido un final de la escena más actual, humano y divertido porque, seguramente, los personajes de la izquierda nunca sean tan míticos como la señorita Scarlett y su apuesto aspirante a confederado, pero también, seguro, que nunca serán tan pesados.
Ruego que Nicolás Grum me perdone esta intromisión en su obra y, para compensarlo, cuelgo Tour un recorrido en bicicleta alrededor de Santigo de Chile en el que se aprecian las diferencias socioeconómicas de la ciudad.

Visionarios en el Reina Sofia: Silvia Cacciatori

2009-05-19T16:00:00.004+02:00

De Silvia Cacciatori (1962, Uruguay) podréis ver en el Reina Sofia Mala sangre (todo sobre la mujer inmunda), pero he preferido traeros prostituto,a , una animación del 2005 sobre las definiciones que hace la Real Academia Española de la palabra "prostituta".
Cacciatori hace una crítica acerada al uso del lenguaje como medida de presión y control sobre la mujer no sólo, como en esta obra, a través de algo tan cultural y respetado como pueda ser la Real Academia sino también lo hace a través de algunos escritos religiosos como ciertos pasajes de la propia Biblia que presenta en Mala Sangre que son el reflejo de una continua y soterrada violencia.
Trabaja la animación a partir de sus propios collages con imágenes en las que aparece la mujer como protagonista como maniquíes, publicidad o los mismos retratos de la historia del arte.

Visionarios, audiovisual en Latinoamérica en el Museo Reina Sofia, Acción vandálica en mi linda Costa Rica, 2004, Alejandro Ramírez

2009-05-18T14:53:00.003+02:00

Dedicado a Carmen y a Saik_o.
Del 18 de mayo al 15 de junio 2009 en el Salón de actos del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofia

se ha programado una extensa muestra del audiovisual en Latinoamérica (entrada gratuita). Os traigo este divertidísimo vídeo de una "Patriotic song vandalized as graffiti in the walls of San Jose" de Alejandro Ramírez que forma parte de los seleccionados (¡con toda justicia!).
La ciudad se convierte en un karaoke y las paredes, cubos y enseres en las pantallas donde los grafittis dictan la canción para que la sigamos.

A Boy, A Wall and A Donkey, 2008, Hany Abu-Assad

2009-05-16T18:51:00.006+02:00

En 2008 se conmemoró el 60 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos con una película compuesta por 22 cortos de unos 3 minutos de duracción creada y producida por ART for The World para la que se invitó a 22 artistas de todo el mundo a que contaran historias basadas en los ideales de la Declaración Universal relacionados con la cultura, el desarrollo, la dignidad y la justicia, el entorno, el género y la participación.
Hany Abu-Assad (en árabe, هاني أبو أسعد) es un cineasta holandés de origen palestino. Nació en Nazaret en 1961. Se hizo mundialmente conocido en 2005 a causa de su polémica película Paradise Now que relata la historia de dos jóvenes palestinos que se preparan para inmolarse en un atentados suicida en Israel.
En 1980 emigró a los Países Bajos donde estudió ingeniería técnica.
En 1990 creó la Ayloul Film Productions. Ha dirigido Het 14de kippetje (El pollito 14), Nazareth 2000 y Al-Quds fī yawm ājar (cuya traducción es Jerusalén otro día, aunque se presentó en varios festivales internacionales con el título La boda de Rana) . Produjo el documental, Ford Transit, cuya acción se situaba en Palestina y que fue el detonante de un gran debate acerca de los límites del género documental al ser censurado por la televisión holandesa por tener algunos fragmentos de ficción.

Almacen de corazonadas, 2006, Rafael Lozano-Hemmer

2009-05-12T17:21:00.009+02:00

Rafael Lozano-Hemmer (1967, México) hace intervenciones e instalaciones interactivas en espacios públicos utilizando la robótica, conexiones de Internet, sensores, etc. Vive en Montreal. Es licenciado en Física Química y en Historia del Arte lo que le proporciona una base muy completa para su trabajo. Ha recibido numerosas becas y premios como el "Golden Nica" de Arte Interactivo, en el Festival Ars Electronica 2000 de Linz, por su Alzado vectorial.
Almacén de Corazonadas cumple, con creces, lo que promete tanto el título en inglés Pulse Room como el mátiz romántico que le dió a la instalación en Méjico. Es un trabajo profundamente humano que proporciona al público una experiencia consciente y emotiva de su propia participación en la instalación interactiva ya que se les invita a registrar mediante una interfaz el ritmo de los latidos de su corazón. Cada uno de los casi cien focos dispuestos en el espacio de exhibición centellea a un ritmo distinto marcado por el pulso cardiaco del visitante cuando entra en contacto consciente, cogiendo con ambas manos, un aparato compuesto por dos tubos metálicos conectados a un foco que, a través de unos sensores, detenta sus latidos tan parecidos a los de los otros pero únicos que hacen que un foco de luz centellee al ritmo exacto de su corazón. El visitante entrega algo tan íntimo y con tantas connotaciones como son los látidos de su corazón en un acto íntimo y, a la vez, colectivo ya que la bombilla latirá junto a la de los demás. Cuando el visitante número 89 registra su pulso, el latido del primer participante por fin desaparece y así se van reciclando los patrones. Almacén de Corazonadas se presentó por primera vez en la sala de telares de la antigua fábrica "La Constancia" de Puebla (México) en 2006.También estuvo en el centro de Arte de La Laboral de Gijón en el año 2008 dentro de la exposición "Emergentes"

Closed Zone, Yoni Goodman

2009-05-09T18:12:00.005+02:00

De nuevo sigo a Lola Alted, esta vez en Los Animautas. Lo hago por doble motivo: por el acierto de sus entradas, como vemos en este corto vídeo y porque quiero animar a los compañeros de Cartografiando Gaza.
Yoni Goodman es el director de animación de Waltz with Basir largometraje premiado internacionalmente y que tuvo una gran repercusión. La dirección estuvo a cargo de Ari Foldman firmante de la carta Carta enviada por 40 realizadores/as israelitas a sus colegas libaneses y palestinos con ocasión de la “Bienal del Cine Árabe” de Paris que colgué con motivo de Silent weapons for quiet wars de Jack Faber.
Closed Zone responde al engargo de la ONG israelí Gisha (Legal Center for Freedom of Movement): "Gisha is an Israeli not-for-profit organization, founded in 2005, whose goal is to protect the freedom of movement of Palestinians, especially Gaza residents. Gisha promotes rights guaranteed by international and Israeli law". El corto consigue transmitir el mensaje de una manera poética y una factura elemental.

Flix, Mark Leckey

2009-05-06T18:41:00.005+02:00

Volvemos...
No puedo sustraerme de comentar que Flix es un pueblo de Tarragona rodeado de unas tierras sometidas a una extrema áridez de la que se salva al estar situado en un menadro (flexu en latín) del ríoEbro cuyas aguas dan vida a los campos cercanos y hacen posible las huertas. El paisaje sigue siendo primigenio a pesar de contar con una central hidroeléctrica y con importantes industrias químicas que hoy son noticia ya que Ercros ha anunciado hacer una suspensión temporal de empleo lo que, para un pueblo de 5000 habitantes, será totalmente descorazonador. Flix tiene varios edificios históricos a los que quizá se sumen estas industrías cuyas instalaciones son realmente espectaculares y desoladoras. Desde el tren llaman la atención sobre el destino de estas tierras.
Flix también es una aplicación que utiliza la cámara digital o la cámaraweb para crear películas con una intencionalidad parecida a la Stop Motion.
Flix también es el título del video de Mark Leckey (1964, Gran Bretaña) que os traigo. Este artista ganó en el 2008 el premio Turner por "haber encontrado una variedad de formas con las que comunicar su fascinación por la cultura visual" por su exposición, Industrial Light & Magic, en la que combina la escultura, las proyecciones, el sonido y la interpretación. Tiene una factura simple, eficaz y un tanto humorística que se sustenta en un fuerte conocimiento del arte. Onement, el cuadro de Newman, se anima quitándose el peso de lo sublime y haciendo que el zip pierda su rigidez.

Olga Diego estrena web

2009-04-22T09:25:00.004+02:00

La nueva web-blog de Olga Diego es muy completa y os podréis hacer una buena idea de su trabajo y de la variedad y profundidad de sus proyectos. Os he traido unos segundos de su "pesca de altura", unas tomas aerostáticas en la ciudad de Alicante y otra que hizo en el Cairo con tomas a pie de suelo. Ya había hecho anteriormente tomas aerostáticas pero en espacios abiertos fuera de la ciudad como la que os puse hace unos meses de la playa del Carabassí en donde ella misma se sube al globo. El reportaje fotográfico de la acción en la playa (incluye a su perro alado y a la policía) está recogido en la web. Estos videos los expuso en el Cairo y más tarde en la Lonja de Alicante en lel marco de la exposición De una parte a otra. "Dos construcciones preformativas que invitan a contemplar las dos ciudades desde perspectivas tan forzadas como sugerentes" Olga Diego.

¡Novedad citoplásmica! Citoplasmas y Los animautas

2009-04-15T17:56:00.012+02:00

Antes de leer la informacion, os aconsejo que veáis (o volváis a verlo) Citoplasmas en medio ácido (imprescindible) o cualquier otro de los cortos de animación de Citoplasmas.
Después viene la información.....: Citoplasmas ha ampliado la productora y ha creado un blog de noticias y novedades, Los Animautas, que se hará imprescindible en poco tiempo porque lo actualizarán continuamente no sólo con las actividades de la productora sino también con los trabajos de animación de otros artistas y noticias relacionadas.
Lola Alted y Adrian Iborra se han hecho citoplasmáticos.
Como ya he colgado anteriormente varios videos de creación de Citoplasmas, ahora os traigo el que se hizo en uno de los talleres de Irene Iborra en la Universidad de Alicante. Este, en concreto, es el del 2006.

fe en el caos, Lot

2009-04-13T14:08:00.003+02:00

La siguiente definición es tan completa y tan poética que no puedo evitar copiarla, espero que Lot comprenda que por mucho que me esfuerce no podré expresar qué es programar con tanta claridad y con tantos matices como él lo ha hecho:

"Programar es cómo dar vida a algo. Construir un ente que puede comunicarse con las personas sin que tú estés presente, que puede separarse de ti, y continuar su camino.

Digan lo que digan, programar es bonito. Es una actividad que requiere de inteligencia, conocimiento y creatividad. Sí además programas algoritmos visuales como con processing, ejecutar el resultado se convierte en contemplar como un rayo cae desde una torre y da vida a un pequeño frankenstein. Puedes observarlo y comprender casi con todo detalle su comportamiento.

En cambio, cuando te pasas tres días contemplando la misma maldita línea tratando de entender donde se encuentra un error, la experiencia se vuelve de lo más desesperante y diferente a cualquier otra experiencia del mundo real. Sólo deseas que el rayo de la torre caiga sobre tu espina dorsal y te fulmine lo más pronto posible.¡Ufff!", (Lot en fe en el caos)

Hace días unos días veíamos a Casey Reas, creador junto a Roger Fry de processing, uno de los más extendidos entornos de programación utilizados con fines artísticos. Casey Reas también trabaja como artista. Su obra personal tiene un fuerte contenido estético creando formas en movimiento. Hay un intenso formalismo en todos sus proyectos.
Este "formalismo digital" engloba el trabajo de muchos artistas digitales pero no el de todos, por ejemplo, en la entrada anterior dedicada a Jeremy Bailey veíamos una propuesta humanista en la que las formas, muy simples, círculos, cuadrados, triángulos, no están desarrolladas como tales sino como testigos y muestras de la relación hombre-ordenador-red. Gracias al estilo jocoso de Bailey más próximo al espíritu dadá que al surrealista podemos reconocernos en uno de nuestros actos cotidianos más privados y, al mismo tiempo, más social: nuestro comportamiento digital.
Lot representa otra tendencia artística dentro de la programación: la del activismo social. Esta manera de enfocar el arte, aún siendo la más contaminada o quizá por ello, me parece muy interesante, quizá la que más. Los retos son altísimos ya que la contaminación determina más que la influencia porque produce inesperados e incontrolables cambios mientras un arte cercano al formalismo es más previsible.
Llamo contaminación artística a la introducción de elementos ajenos al propio medio como puedan ser la política, lo social, la justicia o el arte popular. Este tipo de contenidos han sido muy criticados por los historiadores y teóricos del arte pero como bien muestran muchos artistas que trabajan dentro del activismo social, el arte, cuando lo es, no conoce limitaciones ni obedece a ninguna restricción.

Strongest Man y Transhuman Dance Recital # 1, Jeremy Bailey

2009-04-12T00:04:00.006+02:00

Podéis consultar las web de Jeremy Bailey (Toront0), una dedicada a sus trabajos como video-artista y la otra a sus diseños . No creo que ninguna de las dos os defraude a no ser que estéis, por circunstancias personales, de uñas con la comedia.... porque como "comediante digital" es muy divertido.
Sus hilarantes actuaciones están realizadas, con bastante gracia y descaro, en tiempo real frente a la cámara con un programa de su creación mientras las emite por internet. La pantalla del ordenador se convierte en el "lugar"donde ocurren las cosas, es la mirilla por donde vemos las acciones de Bailey y también es el soporte y escenario de ellas. Sus historias son breves y se basan en las funciones del ordenador y el uso de la red pero, a pesar de la burda apariencia de sus videoperformances, tienen una sutileza e ironía que las hace entrañables.
Con el software de su creación realizó, SOS, una serie de seis episodios producida por la televisión canadiense en la que Bailey protagoniza sus actuaciones en directo recreando los documentales de divulgación y las videodemos comerciales que enseñan a utilizar programas pretendidamente populares.
Bailey actualiza de manera jocosa la voluntad que tuvieron muchos artistas del siglo XX de indagar e incidir en la lingüística del arte al utilizar los propios medios artísticos (materiales, técnicas) como tema de su obra incluyendo la percepción como uno de los medios más importantes.
También actualiza el arquetipo del protagonista por lo que ya no es el "hombre"( joven o no), ni la "mujer" (indudablemente joven en los desnudos pero por encima de todo "mujer") sino el "joven" como tal, por ello no le faltan granos... La soledad tampoco es la congénita al ser humano sino la del joven encerrado en su habitación desde donde descubre tantas cosas.....

Dos soluciones para un problema, 1975, Abbas Kiarostami

2009-04-10T12:13:00.015+02:00

"Hay cosas en las que creemos sin haberlas visto nunca" dice Abbas Kiarostami (Teherán, 1940) como dirían Lot, Eduardo Landete y todos los que han colaborado en el proyecto Gaza cuyos nombres desconozco. A ellos dedico Dos soluciones para un problema, un cortometraje encargado por el Centro para el Desarrollo Intelectual de Niños y Adolescentes de Irán. Presenta dos respuestas a un problema que afecta a dos niños amigos. La solución pacífica se muestra como la más inteligente ya que la reparación es más rápida y eficaz y está exenta de los múltiples daños que ocasionan los comportamientos vengativos. Dirigido con fines educativos, el mensaje no puede ser más claro, casi publicitario, pero las imágenes están tan llenas de poesia que resulta conmovedor y humano; de ahí su eficaz poder de convicción. En este aspecto y por la austeridad de los medios empleados Dos soluciones para un problema me recuerda a Je vous salue Sarajevo de Godard.

Abbas Kiarostami ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1997 por El sabor de las cerezas. Su trabajo cinematográfico se completa con ¿Dónde está la casa de mi amigo? premiada en el Festival de Locarno en 1989, El viento nos llevará, 1999, ABC África, 2001, Ten, 2002, Five, 2004. Ha realizado numerosas instalaciones museísticas y exposiciones de su obra fotográfica. En 2006, con motivo de la exposición Correspondencias: Víctor Erice y Abbas Kiarostami presentó instalaciones como Durmientes (2001), Mirando el Ta'ziye (2004) y Bosque sin hojas (2005). En 2006 publicó, en edición bilingüe, su poemario Compañero del viento traducido por Clara Janés y Ahmad Taherí (Madrid, ediciones del oriente y del mediterráneo, 2006).

Historia del alacrán enamorado, Bestué-Vives

2009-04-04T18:47:00.003+02:00

Bajo la cama de Federico García Lorca, David Bestué y Marc Vives han creado un dramático teatro de insectos. Acompañados de otros animalitos, la señora araña, el vengativo alacrán y la alegre y fresca caracola protagonizan una historia muy lorquiana pero, en esta ocasión, tan negra como divertida. Se trata de unas "bodas de sangre" a las que han añadido ironía y actualidad. La novia ya no es una inocente muchacha sumida en su primera pasión sino es una estudiante un poco vaga y un poco caradura; su madre es comprensiva y vital por lo que la venganza del alacrán resulta más propia de un envidioso aguafiestas que de un novio ultrajado. Hoy el honor ya no depende del amor ni la pasión sino de otras cosas, por suerte.
Historia del alacrán enamorado forma parte de la exposición colectiva EVERSTILL comisariada por Hans Ulrich Obrist para la Casa-Museo Federico García Lorca y producido por la Fundación Federico García Lorca y SECC.

En el Reina Sofia.... Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007 con Thoneteando de Pablo Reinoso

2009-03-30T17:24:00.004+02:00

Siguiendo con Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007 traemos Thoneteando de Pablo Reinoso (1955, Buenos Aires) .
Reinoso es un artista multidisciplinar: escultor, fotógrafo, vídeoartista, es también un reconocido diseñador de grandes firmas de moda como Givenchy, Loewe, etc. Thonetenado es un vídeo de factura simple pero de contenido barroco. Sobre un espacio extremadamente blanco una mujer busca acomodarse física y psíquicamente a unas esculturas realizadas a partir de las sillas Thonet. Ese infructuoso "acomodo" nos acercaría a un humorístico teatro del absurdo si no fuera porque esas esculturas son tan potentes, cálidas y conocidas que rivalizan con una maravillosa Blanca Li cuya extraordinaria actuación deja espacio para la reflexión sobre el arte, las formas y los recuerdos.
“La obra parece encarnar un sistema (de producción) capaz de materializar un catalogo inagotable de posibilidades combinatorias, como lo fue el catalogo Thonet de 1904, con sus 3.500 modelos”. Pablo Reinoso

Sleepwalkers, 2007, Doug Aitken en Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007. Museo Reina Sofia

2009-03-25T09:05:00.005+01:00

Dedicado a Olga Diego.

El museo Reina Sofia de Madrid presenta desde el 23 de marzo al 8 de abril un ciclo dedicado a Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007, una bienal organizada por la ciudad de Colonia.
Un siglo después de que los futuristas gritaran al mundo "Todo se mueve", Doug Aitken (1968, California) nos dice "Estaremos seguros mientras todo se mueva" , una aseveración obvia no exenta de ironía, que fue el título de su exposición en la Caixa Forum y en la sala Rekalde en el 2004.
Trabaja con fotografía, escultura, videos a instalaciones, algunas de ellas de grandes dimensiones interactuando con la arquitectura y los espacios públicos.
Sleepwalkers fue expuesta en el MoMA. Se componía de ocho proyecciones de gran tamaño que colgaban de los muros exteriores del museo, de modo que fuera visible desde la calle. En las pantallas aparecían Tilda Swinton, Donald Sutherland, Chan Marshall (Cat Power), Seu Jorge, y Ryan Donowho repitiendo las mismas acciones en lugares similares porque.... como todos los seres, somos únicos y, a la vez, somos como todos inmersos en un paisaje común que, en este caso, remite a los más puros cánones de la arquitectura moderna que por asumida no deja de ser misteriosa y muy hermosa.

Pol Bury, la fuente como arte II

2009-03-15T17:32:00.004+01:00

Las fuentes de Pol Bury (1922, Bélgica-2005,París) engrandecen las propuestas cinéticas. Al estar expuestas al público, en plazas y jardines, cumplen los requisitos de un arte social. Movidas por el agua aportan sonido y sus materiales metálicos, generalmente aluminio reflejan el entorno lo que multiplica sus efectos. Son verdaderas joyas.

Smoke, 2007, Mark Napier, Vistas de Nueva York, 1969, Pol Bury

2009-03-13T12:19:00.018+01:00

En esta semana dedicada al arte cinético he encontrado estas imágenes.

El Empire State Building derritiéndose pertenece a la serie Smoke de 2007 de Mark Napier y las otras,"Vistas de Nueva York" de 1969 y el puente George Washington (sobre una fotografía de Sam Falk), son fotografías retocadas por Pol Bury.

Es bastante interesante ver cómo los artistas dialogan a través de sus obras y cómo el tiempo marca este diálogo no solamente en este caso sino en todos. El uso de técnicas diferentes, la distinta mirada y tantos otros factores hacen que lo similar no sea lo mismo y que valga la pena defender el derecho a llegar por uno mismo a cualquier territorio, haya o no sido ya explorado porque todo es viejo y nuevo al mismo tiempo.

Symphonie diagonal, 1921-24, Viking Eggeling

2009-03-13T09:36:00.009+01:00

Con “Simphonie Diagonal” (1921-1924) el único film que Viking Eggeling (Suecia, 1880 - Berlín, 1925) pudo concluir , comienza el cine de abstracción geométrica. Considerado uno de los pilares del arte cinético, no ha perdido ni un ápice de fuerza, muy al contrario, hoy nos devuelve la frescura que, en gran medida, añoramos. Eggeling dibujaba sobre la superficie de la película formas geométricas muy sencillas a las que dotó de un agil movimiento rítmico por lo que la película se le ha llamado música visual. Estos dibujos que se mueven en la pantalla, abrieron el camino a la animación influyendo en artistas como Hans Richter, Oscar Fishinger, Walter Ruttmann y Norman McLaren.

Viking Eggeling vivió unos años en París de donde pasó a Zurich en 1918, allí conoció a Hans Richter con quien mantuvo una profunda amistad y al resto de dadaistas refugiados en Zurich. Richter escribió "El contraste entre nosotros, que es que entre el método y la espontaneidad, sólo sirvió para fortalecer nuestra mutua atracción".
La película original no tienen sonido, os pongo la música que Olga Neuwirth ha hecho como acompañamiento pero podéis verla en versión original simplemente quitándole el sonido.

El Curso de las Cosas ("Der Lauf Der Dinge"), 1987, Peter Fischli, David Weiss

2009-03-10T11:22:00.001+01:00

Peter Fischli (1952,Zurich) y David Weiss (1946,Zurich), trabajan juntos desde 1979. Sus trabajos abarcan diferentes formatos: el vídeo, la fotografía, la escultura y el cine. Los temas también son muy diversos pero todos ellos, la serie Flores, Aeropuertos o sus esculturas de salchichas, etc, etc, tienen un sentido de la ironía y del absurdo totalmente impregnado de magia. Pertenecen a un mundo en el que parece que todo sea posible.
Suizos como Tinguely, como él, abordan "mecanismos de precisión en el vídeo El curso de las cosas pero en vez de divertidas y caricaturescas máquinas, como hacía Tinguely, desarrollan una auténtica y rocambolesca máquina de Golberg.
Las máquinas de Golberg son unos aparatos con unos mecanismos muy complejos y enrevesados para realizar una tarea muy simple y sin importancia y que por si fuera poco no garantiza el resultado. En España teníamos los maravillosos inventos del TBO que ahora ha recuperado la Cuatro en el Hormiguero pero ya totalmente impregnados de El Curso de las Cosas.
El Curso de las cosas es un vídeo de unos treinta minutos de duracción que se presentó en la VIII Documenta en el que de una manera minuciosa objetos de la vida cotidiana, neumáticos, teteras, botellas, rampas... van enlazando acciones a través de procesos mecánicos, físicos y químicos que incluso desarrollan efectos pirotécnicos. Una auténtica joya de un cinetismo posmoderno.

Jean Tinguely, la fuente como arte I

2009-03-09T09:50:00.008+01:00

"hedonista de las máquinas sin objeto y derrochador de energías festivas, como un nuevo Pantagruel de la vanguardia, Tinguely no sólo pudo con la seriedad compacta de sus compatriotas, sino con todo ese espíritu de domesticación productiva que ha convertido al hombre contemporáneo occidental de la civilización industrial en un disciplinado y unidimensional ser que trabaja para consumir" Paco Calvo Serraller en un recomendable artículo

Las esculturas móviles de Jean Tinguely(1925-1991, Berna) estan realizadas totalmente con materiales de desecho: hierros, alambres, metales viejos y... con grandes dosis de humor. El espectador, en este caso usuario, puede activarlas simplemente oprimiendo un botón que pone en funcionamiento un engranaje divertido y sorprendente que hace surgir del absurdo la alegría de vivir. Mucho más simples que las máquinas Golberg, más cerca de la escultura que de la instalación son hipnóticas y muy atractivas.
"un artista del movimiento", como él mismo se definía, estuvo estrechamente vinculado con los artistas cinéticos con los que compartió numerosas exposiciones y con los neo-dadaistas.
En Basilea, su ciudad natal, a orillas del Rin y junto al parque de la Solitude, está el museo Jean Tinguely realizado por Mario Botta.

Casey Reas, processing, ¿formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real?

2009-03-07T17:05:00.020+01:00

Gabo, Reas, Pevsner

Volvemos a Processing. En 1920, los hermanos Pevsner y Naum Gabo(1890-1977, Rusia-EEUU) publican el Manifesto Realista en el que pretenden subsanar "el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica" preconizando el movimiento en el arte que nos proporcionaría ”formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real". (Gabo) "había aprendido a hacer construcciones tridimensionales para ilustrar fórmulas matemáticas, de modo que lo que surgió fue una fusión de una visión artística y un método científico" (Read). Precursores junto a Moholy-Nagy del arte cinético, ¿no preconizan también el arte programado en el que podemos incluir a processing?.
Repitiendo lo dicho en entradas anteriores, Processing es un lenguaje de programación de código abierto con el que se crean imágenes, interacción y animación. Definición, incluido el código abierto(=arte colectivo) que harían suya muchos artistas cinéticos.
Casey Reas y Ben Fry, creadores de processing fueron alumnos de John Maeda en el MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts) En 2007 publicaron Processing: A Programming Handbook for Visual Designers and Artists.
En la web de Reas encontraréis su trabajo personal, diseños, trabajos artísticos y exposiciones y podréis ver vídeos oficiales de sus exposiciones y de sus obras. Como preámbulo os subo éste tomado en el Sonar Festival de Barcelona.

Modulador Espacio Temporal, 1922-1930, László Moholy-Nagy

2009-03-03T12:16:00.007+01:00

László Moholy-Nagy (1895-1946, Hungría-Chicago). A pesar de su dedicación a la pintura fue en el campo de la fotografía donde sus investigaciones tuvieron mayor importancia. Junto a su esposa Lucia Shulz hizo muchos descubrimientos que le llevaron en 1923 a la Bauhaus donde se hizo cargo del taller de metales (donde siguió experimentando con la fotografía) hasta 1928 que le sustituyó Albers. En sus clases contagia su entusiamo por las máquinas que analizaba detalladamente y sacrificó el dibujo por los objetos tridimensionales “construidos” con materiales nuevos, plexiglás, cristal o metal siempre en equilibrio asimétrico, hecho que favoreció y determinó en bastante medida el desarrollo de la escultura moderna. En 1925 publicó “Pintura, Fotografía, Film”,una de las primeras publicaciones sobre el tema estableciendo la relación entre la pintura y la fotografía. La primera era el medio en el que se daba forma al color mientras que la fotografía servía para comprender el fenómeno natural de la luz lo que le valió ser reivindicado como pionero del arte cinético.
Trabajó sobre un "Modulador Espacio Temporal", una pequeña escultura de distintos materiales movida por un motor para hacer chocar los distintos elementos que la componían consiguiendo sonidos y un continuo tintineo y a través de la iluminación, luces, formas y sombras. Con ello quería elaborar una especie de alfabeto gráfico capaz de crear música sintética a partir de la lectura óptica de las células fotoeléctricas de las formas que se dibujaban por lo que también fue un precursor de la música electroacústica.
Debido al avance de los nazis en Alemania emigró, como tantos otros componentes de la Bauhaus, a EEUU donde continuó su labor docente.

Breve documental sobre una réplica del "Modulador Espacio-Temporal" para el Van Abbe Museum,Holanda.

Huellas, 2003, Regina José Galindo

2009-02-27T18:42:00.008+01:00

"Mi cuerpo no como cuerpo individual sino como cuerpo colectivo, cuerpo global. Ser o reflejar a través de mi, la experiencia de otros; porque todos somos nosotros mismos y al mismo tiempo somos los otros. Un cuerpo que es, entonces, el cuerpo de muchos, que hace y se hace, que resiste y se resiste.." Regina Jose Galindo entrevistada por Maura Reilly
Regina Jose Galindo (1974, Guatemala) utiliza su cuerpo como el espacio donde transcurren sus acciones en las que resuenan la tragedia y el dolor de muchas mujeres y la injusticia a la que sus vidas son abocadas.
¿Quien puede borrar las huellas? es la performance que traemos, en ella Regina caminaba descalza por la ciudad con una palangana llena de sangre en sus manos en la que iba mojando sus pies para dejar las huellas de los pies ensangrentados como respuesta a la vuelta del dictador Efraín Ríos Montt como candidato a la presidencia de Guatemala. Las acciones de Regina, lejos de mitos y de la estética del dolor, son el reflejo de la violencia que envuelve a Guatemala y a muchos de sus países vecinos. Son escuetas y precisan bien el tema.

Boogie Doodle,1948, Norman Mclaren

2009-02-23T09:19:00.006+01:00

Norman Mclaren (1914-1987) nace en Escocia, estudia en Londres pero es en el Canadá donde realiza gran parte de su trabajo experimentando con las imágenes y los sonidos en películas de animación. Empezó aplicando franjas y manchas de colores sobre el soporte fílmico en Dots, Loops y Stars and Stripes de 1940. En Boogie Doodle pintó directamente sobre el celuloide unos dibujos próximos al naïf que, con un incesante y alegre movimiento, siguen la música de Albert Ammons (los créditos son estupendos). Poco a poco fue ampliando su repertorio hasta descubrir lo que después se llamó Stop Motion cuyos principios, en buena medida, forjó. También investigó el sonido creando bandas sonoras.
Realizó tres cortometrajes sobre la danza, Adagio, Pas des deux y Narciso con los que consiguió imágnes de gran belleza y de inesperados movimientos tan sólo relentizando algunas tomas.
En Neighbours film realizado fotograma a fotograma cuenta una historia entre vecinos con un fuerte trasfondo pacifista con la que ganó un Óscar en 1952. Consiguió numerosos premios internacionales como la Palma de Oro de Cannes o el Canadian Film Award.
Cooperó con la Unesco en la China y en la India en programas de educación audiovisual.

Toe Jam, David Byrne, Norman Cook, Dizzee Rascal

2009-02-19T18:06:00.008+01:00

A Lola Alted que me lo dió a conocer y a Angeles San José que me lo ha recordado.

Lo que es la censura y sus terribles consecuencias todos lo sabemos pero también sabemos que la humorística inventiva de algunos artistas logra en ocasiones burlarse de ella convirtiendo sus ridículas y dañinas exigencias en algo creativo y muy divertido sino recuerden el final de Viridiana o vean la solución moralizante de esta sátira. Los vídeos oficiales están censurados en Youtube pero siempre hay un camino..... como es cambiarle el nombre.
Norman Cook (Fatboy Slim) es el que hace de helicoptero.

Permutations, 1966, John Whitney

2009-02-15T21:23:00.003+01:00

John Whitney (1917-1995, California) es uno de los primeros creadores en el campo de la programación. Sus animaciones desarrollan un continuo movimiento de imágenes abstractas que derivan unas de otras al compás de la música.
Tuvo una beca Guggenheim y contó con el soporte de la IBM en sus investigaciones. Empezó con una computadora analógica mecánica de su propia invención que producía el movimiento y los cambios de las imágenes para la creción de sus películasy sus spots publicitarios. Reunió un registro de efectos visuales bajo el nombre de Catálogo.
En los setenta, Whitney abandonó su computadora analógica en favor de la computación digital que en los años 1980 y 1990 alcanzaba una gran velocidad.
Puede considerarse un gran exponente del arte cinético y precursor de Processing
Consideraba el ordenador como un medio necesario para su arte.
Bajo la inspiración del film Anémic Cinema de Duchamp, Whitney colaboró con Saul Bass en la elaboración de los créditos de la película de Hitchcock, Vértigo, que también os traigo.

Pensando en John Maeda. Processing en la UA y en TuCamon

2009-02-12T12:03:00.003+01:00

"Lo pos digital tiene que ver con procesar lo ambiguo y lo incorrecto..... Lo pos digital es cuando el ordenador se vuelve tan humano como nosotros, cuando se vuelve tan analógico como nosotros."
John Maeda es programador informático, profesor, diseñador y artista pero estas actividades profesionales no son las partes de una suma sino una totalidad indisoluble.
De un modo u otro todo artista ahonda en las técnicas y en los materiales sea modificando los heredados como creando nuevos; sobre todo, en ciertos momentos históricos, los verdaderamente creadores necesitan incidir especialmente en estos cambios para poder desarrollar su arte. En el renacimiento el óleo supuso una revolución técnica que permitió expresar el mundo de manera diferente a como había sido representado hasta entonces, facilitando a sus contemporáneos una visión más acorde con su tiempo, por ello ,el óleo se convirtió en una convención arrolladora.
Pero no hace falta irse tan lejos para ver que el arte concreto, el cinético, el óptico, el pop o los audiovisuales buscaron a lo largo del siglo XX con sus seriaciones, motores y artefactos algo que están culminando actualmente algunos artistas que trabajan con ordenadores explorando el potencial artístico y óptico de los programas informáticos. Sorprendentemente este triunfo tecnológico no ha supuesto en absoluto una deshumanización del arte sino al contrario ha propiciado una relación humanista entre la tecnología y los usuarios y ha convertido al ordenador en una herramienta polivalente capaz de ayudarnos en el trabajo a la vez de ser receptora y transmisora de sensaciones y emociones.
Maeda trabaja con el lenguaje informático, el código, porque es consciente de la necesidad de independizarse de los programas informáticos comerciales para ampliar las posibilidades expresivas del medio y de esta menera ser capaz de desarrollar su propio concepto estético. Estudió informática en el Instituto Tecnológico de Massachussets y Bellas Artes en la Universidad de Tsukuba en Japón. Su labor docente en el Medialab del MIT ha propiciado la creación de una generación de artistas-científicos como Golan Levin, Ben Fry o Casey Reas que posiblemente abrirán caminos fructíferos que colmarían los sueños de artistas como Tinguely, Le Parc o muchos de los cinéticos.

Habrán próximas entradas sobre el trabajo artístico de Maeda, mientras vale la pena echar una ojeada a su web. Si os apetece podéis ver este video-espectáculo....

Processing en la UA y en Tucamon, Alvaro del Valle, Joan Soler-Adillon

2009-02-09T10:06:00.010+01:00

Diseño de la fachada del Ayuntamiento de las Torres de Cotillas. 2008. Diseñado con Processing para Adhoc> Arquitectura y Territorio

En la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Alicante, el LAC, Laboratorio de Arquitectura y Computación ha organizado unos cursos CECLEC sobre programación, entre ellos Processing. Acaba de comenzar así es que el que esté interesado aún está a tiempo de integrarse. Después vendrá un curso de SIC. Alvaro del Valle, el profesor, transmite muy bien, es claro y eficaz y además .... amable. En el LAC podréis ver sus ejemplos.

Joan Soler-Adillon viene el sábado a Tucamon para su curso de Processing. En su web tiene unos tutoriales que se pueden seguir muy bien. Tiene una entrada recien te en el blog.

Project 82, Joan Soler-Adillon

Volcano Saga, 1989, Joan Jonas

2009-02-05T19:27:00.004+01:00

A finales de los años sesenta el arte se abrió como no lo había hecho desde las primeras vanguardias, la incorporación de las mujeres contribuyó a ello al aportar una experiencia distinta y una mayor complejidad frente al discurso reinante. De entrada el trono conseguido por el expresionismo abstracto y más tarde por el minimal por su radicalidad artística quedó totalmente soprepasado por la proliferación de objetos de dudoso gusto y forma que ni siquiera alcanzaban el reconocimiento de los iconos sacralizados del pop. Eva Hesse, Nancy Spero o Louise Bourgeois sorprendieron con sus cuerdas colgantes y sus objetos blandos como también lo hicieron un grupo numeroso de chicos y chicas que se dedicaron a las performances, al body art y, como no, al vídeo. Joan Jonas (1936, New York) empezó, como muchos de ellos, con performances colectivas con una atención especial a la danza. Compañera de Richard Serra, amiga de Robert Smithson, Nancy Holt o Peter Campus compartió trabajo y experiencias con todos ellos.
Volcano saga está lejos de sus primeros y más experimentales trabajos. Es un vídeo de larga duración lleno de efectos digitales basado en una saga islandesa del siglo XIII, la Laxdaela Saga. El paisaje se convierte en el mejor aliado para entender la fuerza de los mitos, de las esperanzas y de los sueños.

Nanofania, 2003, Cao Guimarães

2009-02-03T12:42:00.019+01:00

Dedicado a Rodolfo Poveda y su Trópico Utópico al que, si bien no atendemos con videos de Milton Nascimento y Clube da esquina, recordamos a todos ellos con otro brasileño Cao Guimarães que nos lleva al mundo de la sublime sensibilidad. Ya lo habíamos traído con Da janela do meu cuarto que os recomiendo volver a ver.
Guimarães (Belo Horizonte- Brasil, 1965) tiene una obra extensa: largometrajes, cortos, instalaciones y fotografías que refejan un mundo, a veces hermoso, pero siempre lleno de dolor. Ha expuesto en numerosos museos, como el MoMa de NY, el Reina Sofía de Madrid, la Tate Modern, el Museu de Arte Moderna de São Paulo y un largo etcétera y sus largos en el Festival de Locarno, el Sundance Festival y tuvo un premio en el Festival de Venecia.
Nanofania es un corto de una gran sencillez: unas pompas de jabón que explotan en su vuelo sobre un paisaje en blanco y negro y unas moscas que marcan la cadencia de unas notas del piano... No mucho más para contar pero sí para ver, oir y sentir...
No estaría mal que recordáramos a Bigas Luna y su collar de moscas y a Gonzalo Puch y sus pompas volando por el bosque que vimos hace unos meses.

Nanofania / Cao GUIMARAES
Cargado por VIDEOFORMES

InanimateAlice, Hometown ,Chris Joseph

2009-01-30T11:50:00.006+01:00

¿Os acordáis de inanimateAlice?. Hice una entrada sobre ella hace ya mucho tiempo.
Siempre me ha embelesado las historias de esta niña que recorre el mundo empujada por los misterios que envuelven a sus padres que no desvelan si buscan o si huyen. Cariñosos en sus apariciones pero casi siempre ausentes sus padres la llevan a Rusia, a la China, a Italia y ahora al centro de Gran Bretaña.... en un NUEVO EPISODIO en el que Brad, su amigo virtual, es reemplazado por los amigos de la escuela y de las correrías. Me gusta muchísimo esta Inanimatealice en su país de las maravillas interactivas...
El episodio nuevo es el número 4: Hometown pero aprovechad para ver los anteriores y recrearos con sus historias maravillosas.

Inequality, Josh On

2009-01-28T17:55:00.008+01:00

Espero que me acompañéis en el camino hacia processing.
Processing quizá sea una de las programaciones más sencillas utilizadas por los artistas de internet pero es capaz de facilitar la creación de obras interactivas estupendas, visual y conceptualmente. Ya hemos colgado algunas cosas pero vamos a ver si logramos transmitirlas mejor. De momento traigo inequality, una brevísima interacción en la que el internauta puede descubrir a través del crecimiento de una cabeza el brutal incremento salarial de los directivos respecto al de los trabajadores desde 1960 hasta el 2001. No es de extrañar el batacazo actual a la vista del aumento de la codicia y de la desigualdad.
Os remito a la página de su creador Josh On y a las múltiples páginas que le dedica google para que veáis su envergadura y seguiremos con ello para conocerlo mejor....

Trópico Utópico en Radio 3

2009-01-26T19:14:00.014+01:00

Hemos recibido el siguiente correo que muestro y contesto:

Blogueros del Club de la Esquina:

Me he topado con vuestro blog y lo he mirado con curiosidad, agrado y también algo de extrañeza, pues vuestro mundo de artes contemporáneas, aunque se superponen con el mío por instantes, también se alejan en otros.

No sé si sois conscientes de lo que el nombre, en portugués: Clube da esquina, significó y significa para la música y la cultura brasileñas:
En primer lugar fue una canción, cuya letra envío en archivo adjunto, cantada por Milton Nascimento en un disco de 1970 llamado "Milton". Después un disco doble, compartido con Lô Borges, que fue, junto con sus amigos, aún niños, el creador del nombre, cuando se juntaban en la esquina para hablar y cantar.

Y, más tarde, "Clube da esquina II", otro disco doble, de creación colectiva, aunque bajo el nombre del portavoz (nunca esta palabra estuvo tan bellamente justificada), Milton Nascimento. Este genial trabajo supuso un gran salto en la historia de la música popular de Brasil, al descubrir una pléyade de compositores, letristas y músicos, llegados del Estado de Minas Geraes, rompiendo el cuasi monopolio musical de Rio de Janeiro, con algo de Bahia y un poco de Sao Paulo, imperante. Los "mineiros" portaban unas armonías sutiles, una introspección alejada de la solar alegría despreocupada de la luminosa y playera Rio.

Recomiendo la página de Milton Nascimento y también otra del Clube da Esquina (sabéis que el "Clube" tiene su propio museo en Belo Horizonte?), que en estos días se ocupa del lanzamiento del libro "Coraçao americano".

Por mi parte, dirigí y presenté en Radio 3, en el año 1982 un programa llamado así: Club de la esquina". Luego se transformó en Trópico Utópico, que aún se emite los sábados, de 22.00 a 24.00 h.

¡Ah! y soy alicantino, de Petrer.
Abrazos
Rodolfo Poveda

Querido Rodolfo, como la información que cuentas es tan completa no puedo sustraerme de hacer partícipes a todos de ella. Espero que no te moleste.
Por lo que al nombre se refiere tengo el CD del "Clube da esquina II" así es que lo conocíamos pero cuando empezamos el blog no teníamos mucha conciencia de este mundo bloguero y de lo mucho que se extiende.
El nombre del blog viene porque todos los que lo hemos creado vivíamos cerca y, más o menos, equidistantes de un bar que hacía esquina en el que ya habíamos organizado unas cuantas sesiones. Más tarde cambíamos de lugar que también hacía esquina y seguimos un tiempo. Esto unido a que el nombre nos gustaba fue lo que hizo que le llamaramos "el club de la esquina". Quizá deberíamos haber hecho alguna mención a lo que cuentas pero no lo pensamos . Ahora me encantaría que nos propusieras algún vídeo de ellos para colgarlo porque habrás visto que también incorporamos videos musicales aunque solemos hacer hincapié en la parte visual.
No conocí tu programa Club de la esquina pero escuchar Trópico Utópico me ha proporcionado emociones maravillosas, así es que se lo recomiendo a todos los que no lo conozcan.
Ah!, si eres de Petrer sabrás en el desierto que vivimos.... que el club de la esquina refresca. Saludos. Teresa

De una parte a otra, Alicante, Adios a las armas, Cayetano Ferrández

2009-01-20T16:15:00.009+01:00

De una parte a otra se inaugura en la sala La Lonja del Pescado de Alicante el viernes próximo. Es la segunda parte de la exposición que hicimos en El Cairo. Son audiovisuales y fotografías. Recoge trabajos hechos en Alicante y en El Cairo. Para los que no podáis asistir (estará hasta el 18 de enero), os cuelgo un video de Cayetano Ferrández en espera de otros. De lo que expuso Paco Valderde y Olga Diego ya hice unas entradas recientemente y de mis vídeos, Urdimbre y Tramas, también por lo que os podéis hacer una idea de la exposición.

Adios a las armas. Cayetano Ferrández

Joan Soler-Adillon, Quelic Berga y Daniel García en Alicante

2009-01-18T14:48:00.004+01:00

El jueves y viernes dieron un mini curso de Processing y Arduino en el espacio TuCamon. Fue bastante eficaz teniendo en cuenta su extrema brevedad. Estuvo a cargo de:
Joan Soler-Adillon. Tiene una web muy completa donde podéis encontrar tutoriales de Processing, información de talleres y cursos y su trabajo personal en el campo audiovisual vale la pena seguirlo. Como no puedo subir ningún video, iros a su página a verlo. Me gustó especialmente The plague por lo simple y escuetamente que desarrolla el tema y, empleando el mismo adjetivo que antes, lo eficazmente que está descrita una plaga. En cuanto a los videos me gustó mucho again pero por mencionar alguna pieza en concreto porque en realidad vale la pena ver todo. Y al que le interese que siga sus tutoriales.....
De Quelic Berga se encuentran cosas de su trabajo. En el link que os pongo encontraréis alguna colaboración suya en instalaciones y un video.
Daniel García es el más misterioso porque su web está a la espera...
Fueron unos entusiastas abanderados de Processing y Arduino.
Si leen esto y quieren añadir algo, estaremos encantados.

Weighing... and Wanting, 1997, William Kentridge

2009-01-14T22:40:00.004+01:00

Volvamos a William Kentridge. Para los que ya estabáis aquí hace más de un año viendo Felix in Exile o Journey to the moon ya sabéis de su estilo conciso, doloroso y hermético y también de su animación creada dibujo a dibujo con carboncillo, un poco de guache y pastel. También que es sudafricano y que ha expuesto en los más importantes museos, galerías y bienales. No pasa desapercibido como tampoco pasará desapercibido a los que lo veáis por primera vez.

I don't wanna grow up, Tom Waits & Jim Jarmush

2009-01-12T15:28:00.007+01:00

Estoy malita. Primeros días, voz a lo Tom Waits, ahora a lo Harpo. Las dolencias invernales te transportan a una zona seminfantil de ensueños raros donde he recordado I don't wanna grow up. Quizá porque me apetece hacer esas pequeñas gamberradas antiguas o quizá porque el video de Jim Jarmush es maravilloso y vale la pena verlo, os lo traigo.
El pasado verano, Lola Alted hizo una entrada de esta canción en la que incluyó la versión de los Ramones.

http://wwwwwwwww.jodi.org, 1995, Jodi

2009-01-09T20:06:00.008+01:00

Jodi = Joan Heemskerk (Holanda) + Dirk Paesmans (Bélgica), son artistas net.art del llamado período heroico, áquellos que a mediados de los 90 empezaron a hacer arte en la red, no exactamente para la red sino con la red, sus herramientas fueron los software, los hardware con los que modificaban los juegos de ordenador y creaban páginas inesperadas de lo ya existente que hacía parecer que el ordenador estaba loco o era víctima de un virus. Empezaron con la fotografía y el video pero pronto hicieron juegos altamente conceptuales que rayan lo humorístico y que resultan muy herméticos. En 1995 hicieron una de sus obras más conocidas, http://wwwwwwwww.jodi.org, que nos asalta con un sinfín de imágenes y textos que parecen reproducir errores y virus asumiendo una estética completamente nueva. Han modificado viejos videojuegos desarmándolos hasta que logran destruir su lógica interna por lo tanto el sentido intuitivo del propio juego.
Ha llevado a cabo importantes instalaciones, como las cuatro gigantescas pantallas de "My%Desktop” (2002) que parecían estar trabajando descontroladamente: abriendo cascadas de ventanas, mensajes de error codificados y archivos que se replicaban a sí mismos interminablemente. Jodi ha participado en numerosas exposiciones y festivales, como la documenta X en 1997.

Cabaret Hofmann, Rafa Zaragoza y Pere Cardoner

2009-01-08T09:38:00.005+01:00

¡Especialmente dedicado a los que estéis esta noche en Barcelona! La información de la actuación la encontráis en el cartel, valdrá la pena ir a calentarse al Bar Elèctric porque la sesión será buena y porque además con estos fríos, encerrarse es peor.

A Rafa Zaragoza le hemos hecho varias entradas, os recomiendo especialmente la de Passes de nan , The Bonso Sessions I , LIMB sobre el disco que publicó este verano. También recomiendo su blog que lo alimenta con mucho tino y con mucha música.

¡Qué haya suerte!

Three transitions, 1973, Peter Campus

2009-01-05T20:03:00.001+01:00

"De todos los lenguajes, el más denigrado es la imagen sonora en movimiento que encajona y proyecta el televisor. Pero desde el mismo nacimiento de la televisión, nació una corriente artística que utilizó el vídeo como lenguaje artístico - creativo y crítico-, que produce otras realidades, no las reproduce, y que es una vía de acceso al pensamiento y a la crítica de las percepciones más familiar que la letra para las generaciones más jóvenes" Josep Massot
"Al principio, en los setenta, nadie la daba importancia. El Whitney lo introdujo en los museos y ya en los noventa quedó legitimado, gracias a cuantos hicieron una labor de zapadores previa. Yo le debo a Bruce Nauman lo mismo que los que me han seguido dicen que me deben a mí. El peligro ahora es que el virtuosismo técnico se separe del verdadero mensaje. Desde el punto de vista científico, el vídeo no es más que física cuántica. Yo trabajo mucho con la luz y con la manera en que impregna la imagen, la minuciosa manipulación técnica de las imágenes para lograr efectos precisos. Mi proceso creativo es similar a las matemáticas. Y en mi obra hay referencias al menos a diez áreas" Peter Campus. Ambas citas pertenecen a la entrevista que Josep Massot le hizo en La Vanguardia.

Peter Campus (1937, Nueva York) cursa psicología experimental en la Universidad de Ohio, estudios que, más tarde dedicado de lleno al video, le sirven para investigar sobre la naturaleza y la fisiología de la percepción lo que será un tema recurrente en toda su obra. En 1971, en los inicios del videoarte, presenta presenta una serie de trabajos monocanal llamados Dynamic Fields Series. A partir de 1972, Campus empieza a exponer sus instalaciones de video, usando monitores, cámaras en vivo y proyectores sin ningún dispositivo de grabación.
Three Transitions son tres autorretratos creados por dos cámaras grabando al mismo tiempo utilizando el efecto Chroma y la tecnología para superponer las imágenes. Tiene algo destructivo pero también algo humorístico que nos transporta a los espectáculos de magia.
Sus trabajos se han expuesto en la Bienal de Sâo Paulo, 1975; Documenta 6, 1977; Bienal de Venecia, 1978; Bienal de Lyon, 1995; y el Whitney Bienal, 1993 y 2002.
Campus ha sido profesor de arte en el Departamento de Arte y Profesiones de Arte, de la Universidad de Nueva York.

My boyfriend came back from the war, 1996, Olia Lialina

2009-01-03T18:25:00.019+01:00

"Cuando empecé, pensaba que iba a hacer web-stories, net-filmes y juegos, pero inesperadamente me he encontrado involucrada en el proceso del net.art. He tenido que urdir intrigas, provocaciones y falsificaciones, en una palabra: Historia en vez de cuentos".

Olia Liliana es una precursora del net.art, de los llamados años heroicos. Su proyecto online My boyfriend came back from the war es de 1996. Es uno de aquellos primeros trabajos hechos para Internet con una intencionalidad de narración y también uno de los referentes más conocidos. HTML, marcos, colores y fuentes “default” son las herramientas usadas.

El aspecto y la interacción simple de esta pieza resultan muy eficaces para transmitir una historia universal sobre la soledad y el amor marcando una continua tensión entre lo narrado y el sentimiento que produce.
La anterior dirección es la que corresponde a su trabajo concreto pero este nuevo enlace My boyfriend came back from the war es la obra completa en la participaron numerosos artistas a los que ella misma invitó a hacer su propia versión de este tema.
Se graduó como periodista y crítica de cine en la Universidad Estatal de Moscú.
Ha participado en numerosas exposiciones, bienales y festivales como Ars Electronica, MOCA, la Biennale de Montreal, Montreal, VIPER Festival, Basel, La Casa Encendida, Madrid, el MEIAC, Badajoz, Transmediale, Berlin.
Lialina ha comisariado arte de redes, organizado seminarios y conferencias sobre nuevos medios y escrito textos teóricos acerca de lo que ella denomina “Folklore digital” y “Web vernácular”. Es profesora en la Merz Akademie en Stuttgart, Alemania.

Quizá sea igual de heroico ponerse delante de un toro como hacer de astronauta pero entre que aparezca nuestro nombre en un cartel de toros de esos que venden en Benidorm, etc o fantasear con un viaje espacial, todos los niños hubiésemos preferido.... salvo Ernestito Hemingway y seguidores....

See you All, Koudlam, Cyprien Gaillard

2008-12-30T11:24:00.011+01:00

En una entrada anterior dedicada a Estratos presentamos a Koudlam cantando esta misma canción bajo un video de Cyprien Gaillard y Desniansky Raion. La proyección recogía el encuentro de dos "aficiones futbolísticas".
See you All es la canción grabada de este mismo tema y su videoclip recoge también el mismo acontecimiento. Está en el album "Live at Teotihuacan" en Pan European Recording. Traemos este videoclip para que lo veáis-escuchéis porque vale la pena.

Dollspace, Ricardo Domínguez y Francesca da Rimini

2008-12-27T15:02:00.010+01:00

Imagen Ricardo Dominguez en http://www.performancestudies.ucla.edu/past_events.htm

Hacía tiempo que quería traer a Ricardo Domínguez pero, después de discusiones y desencuentros con amigos por el tema griego, viene.... Sin entrar a opinar sobre piedras y violencia, que es bastante opinable, quiero decir que cuando veo esos chicos (y griegos y de todas partes) lanzando piedras no puedo menos que pensar en Irán y aledaños y sus manifestaciones de miles de hombres. Si se quiere algo diferente eso tiene que ser diferente también y si las mujeres no somos buenas lanzadoras de piedras algo falla en ese tipo de contestación y por eso viene....

Ricardo Domínguez (EE.UU), ciberactivista y artista, trabaja en net.art: performances on line, net activismo y teoría cultural.
Miembro fundador del The Critical Art Ensemble y The Electronic Disturbance Theatre (EDT) que en 1998 aplicó tecnologías Virtual-Sit-In en solidaridad con las comunidades Zapatistas de Chiapas, México. Es editor de The Thing. Ha colaborado en numerosos proyectos de net-art, con Francesca da Rimini (que tendrá próximamente su propia entrada) en Dollspace. Sus ensayos han aparecido en Ctheory y en "Corpus Delecti: Performance Art of the Americas".

Tramas (fragmento) 2008, Teresa Lanceta

2008-12-20T14:44:00.007+01:00

Tramas

"Para un botánico una trama es una floración, para un escritor es un argumento; las noticias refieren una trama como una confabulación en perjuicio de alguien o de muchos pero para un tejedor la trama es, por encima de cualquier otra acepción, un conjunto de hilos paralelos que cruzados con los de la urdimbre construyen el tejido el cual no es sólo un objeto utilitario sino también un estandarte de cultura.
El botánico, el escritor y el tejedor no sólo comparten un término sino que además, como gran parte de los seres humanos, son presa de tramas confabuladas, algunos de ellos desde niños.
Las tramas floreadas de este video se han hecho sobre la urdimbre que enmarca un telar como las manos de los pequeños tejedores de Sakkara.
Agradezco a los pequeños tejedores de Sakkara su resistencia a ser tomados solamente como pequeños tejedores. Los niños no tejen tramas floreadas sino ellos mismos son flores frágiles necesitadas de atención. De ellos son las voces que escuchamos y los sonidos, todos ellos, de mi telar”

Sobre la urdimbre que utilicé para crear Urdimbre proyecté fotografías de flores que había estado tomando en mis paseos con la Luna y que quería completar en Egipto con imágenes de manos de mujeres tejiendo pero la mayor parte de talleres son niños los tejedores.... Ellos han ido imponiendo su presencia en el video y han dirigido este trabajo que hoy se presenta en la XI Bienal del Cairo.
Como en el anterior he tenido la colaboración de Pablo Pereda (www.nimagina.com) en la edición y de Adrian Iborra (www.ideasdelaboratorio.com) en el sonido. La duración es de 3m20s.

Tramas (fragmento) Teresa Lanceta from Teresa Lanceta on Vimeo.

de la serie Fuego, Olga Diego

2008-12-18T20:44:00.005+01:00

Invitados por el Director General de Bellas Artes volvemos a Egipto para participar en la XI Bienal de El Cairo. Olga Diego, Begoña Martinez y Anja Krakowski lo han hecho además físicamente, el resto de nosotros con la obra. Olga Diego lleva unos videos de su serie Fuego realizados para esta ocasión, esperando que los cuelgue, presentamos esta acción que llevó a cabo en el 2007. Como siempre, la intensidad y la firmeza con la que lleva sus acciones sobrecoge.

Por ejemplo, Dennis Dollens

2008-12-17T07:49:00.006+01:00

Xfrog es un software sencillo creado para predecir el crecimiento y comportamiento de las plantas y el desarrollo del paisaje según la incidencia solar, la humedad, la ubicación, etc. Dennis Dollens en una entrevista con Marc Vidal lo define: "El software se basa en algoritmos sobre el crecimiento de los vegetales recogido en una serie de 40 años. Y yo utilizo esto para simular la manera como una estructura arquitectónica crecería para buscar la mejor orientación solar, los mejores flujos de aire caliente y frío, la reducción del consumo energético y de agua, etc"
Admirador del modernismo catalán, estudioso de Josep María Jujol publica en Gustavo Gili De lo digital a lo analógico.
Dennis Dollens Se define como un arquitecto biomimético que estudia la naturaleza no tanto para inspirarse en sus formas como para conseguir sus propiedades biológicas. Respondiendo a Marc Vidal: "Si no repensamos los materiales, su uso, y no buscamos materiales más eficaces, no sólo bonitos sino también inteligentes, no vamos a ninguna parte. Se trata de que una pared sea bonita, pero también de que se construya con un material que sea capaz de filtrar el aire. No una máquina que lo filtre, sino una solución que permita el paso del aire según sus condiciones en el interior y el exterior. Un nuevo material inteligente".

The Battle of Algiers, 2006, Marc Lafia & Fang-Yu Lin

2008-12-15T15:59:00.003+01:00

Una vez liberada Argelia, el nuevo gobierno se propuso recrear los años más duros de la lucha por la independencia en Argel, de 1950 al 57. Debido a la calidad cinematográfica del realismo italiano se eligió a Gillo Pontecorvo (la banda sonora es Ennio Morricone). La película del 1965 se estrenó con bastante retraso en España. Narra con claridad los hechos, el insostenible e injusto colonialismo francés, la brutal represión llevada a cabo por el ejército contra las aspiraciones de los argelinos y también la estructura organizativa piramidal clandestina que hizo posible la independencia y que estaba basada en células independientes dentro de la cuálesl cada persona sólo conocía a tres, un superior y dos a su cargo. La película también muestra el terrorismo sin escatimar sus trágicas y crueles consecuencias. La fotografía en blanco y negro es austera y da una importancia capital a los rostros de los protagonistas.

The Battle of Algiers de Marc Lafia y Fang-Yu Lin (EEUU, Taiwan) reconstruye la estructura de la película utilizando sistemas computacionales y procedimientos algorítmicos que organizan la imagen y la información de la película original. Preferentemente muestran los rostros de los protagonistas tanto los del Frente de Liberación argelino como los del ejército francés que cuando entran en relación desencadenan breves videos.

El Cairo, 2008, Paco Valverde

2008-12-07T19:59:00.012+01:00

La fascinación que a Paco Valverde le produjo El Cairo fue aumentando día a día. "No es posible contarlo". Pero sí lo ha hecho no con palabras sino con fotografías, no tantas como otros, que dejan al azar y a la cámara las decisiones, hubiesen hecho pero sí las suficientes cómo para expresar no sólo lo que vió o lo que sintió sino qué y cómo es El Cairo.
Una vez montadas y expuestas en el Gezira Museum, estas fotografías me sorprendieron mucho porque en nuestros paseos comentábamos la dureza del tránsito en sus calles, su atmósfera contaminada y tantas cosas que veíamos difíciles e inabarcables tanto nos parecía que incluso llegamos a compararla a la ciudad de Blade Runer, una ciudad donde el pasado y el futuro se comprimen en un oscuro presente. Quizá el ahogo, que padecí desde mi llegada y la dificultad y valentía que necesitó Paco para realizarlas totalmente sólo nos llevaban a estos comentarios pero las fotografías van más allá y muestran algo que también tiene este lugar: vida.

Triumph of a Heart, video de Spike Jonze para Bjork

2008-12-03T16:22:00.008+01:00

Me ha llegado esta información:

USA TODAY EN III FESTIVAL ARTICULO 20 - 6 Y 7 DE DICIEMBRE DE 2008 - UNA APROXIMACION AL ARTE de
contempor�nea

Apdo. Correos 120. 18080 Granada. Telf. 686 265 924

50 ARTISTAS CONTEMPORANEOS NORTEAMERICANOS
EXPONEN EN AVILES BAJO EL TITULO� "USA TODAY" DENTRO DEL�
FESTIVAL ARTICULO20, EN EL PABELLON MUNICIPAL�
DE EXPOSICIONES DE LA MAGDALENA

que aprovecho para volver a la recién inaugurada sesión de "como decíamos ayer" en la que voy a recoger artistas que ya tienen alguna entrada anterior en el club de la esquina. Triumph of a heart está colgado en Youtube por gentileza de la propia Bjork.

Baghdad in No Particular Order, 2003, Paul Chan

2008-11-30T12:09:00.002+01:00

En 2002 antes de la invasión de Irak, un grupo de americanos, Voices in the Wilderness, entre los que se encontraba Paul Chan, incumplió las sanciones y las leyes de EEUU yendo a trabajar a Bagdag. De esa estancia salió el documental Bagdad in No Particular Order. Arte y activismo se funden de manera más que profunda después de la invasión y no podemos dejar de ver a través de su documental la injusticia de la invasión que Paul Chan vuelve a mostrárnoslo en This is the Bagdad you are destorying.
Paul Chan nace en Hong Kong en 1973. A los ocho años se traslada con su familia a Nebraska y de allí pasa a Nueva York donde estudia animación digital, video y nuevas tecnologías. Ha presentado sus obras en la Serpentine Gallery de Londres, en la bienal de Whitney, en elStedeldijk Museum de Amsterdam, en The Institute of Contemporary Art, Boston. En nueva Orleans, después del Katrina Chan colaboró con el Classical Theatre of Harlem y con Creative Time en una representación al aire libre de Esperando a Godot.Recientemente realizó “lights and drawings” trabajo del que nos ocuparemos en otra ocasión.
En septiembre le dedicaron un artículo en El País.
Generalmente los videos que se cuelgan en el club de la esquina suelen ser breves, éste es una excepción, pero su duración, cerca de una hora, juega a su favor y dedicarle una hora de vuestro tiempo jugará a vuestro favor. Además los momentos musicales, que son muchos, son impagables. Os lo recomiendo.

Stammer (Occedentalisim), 2007, Shady El Noshokaty

2008-11-27T08:41:00.005+01:00

Shady El Noshokaty (1971, Dammieta, Egipto) vive y trabaja en Egipto. Estudió arte en El Cairo y en EEUU. Su trabajo es una investigación sobre la identidad con los recursos de la animación, del video-instalación y de los medios digitales. Del 2001 es su obra "In The Tree of my Grandmother's House, The Dialogue" donde se produce un encuentro con sus padres y sus tías en el que hablan de la muerte de la abuela, de religión, de la vida y del amor.
Stammer: Balbucear es una obra multidisciplinar, un trabajo en colaboración con otros artistas y desarrollado en capítulos independientes. En la Laboral de Gijón llevó a cabo una video-instalación de 20 canales mostrando 20 lugares distintos de esta ciudad en colaboración con el artista español Pablo de Soto.
En Stammer (Occedentalisim) participan Hossam Hodhod, Ahmed Basiouny, Youssef Raghebo y Magdy El Sayed.
Noshokaty ha expuesto en el Centro Pompidou, en el Instituto del Mundo Árabe de París, en la Tate Modern y en la Laboral de Gijón entre otros.

Dupree's Paradise, 1984, Bruce Bickford, Monster Road (fragmentos), 2004, Brett Ingram, música de Frank Zappa

2008-11-25T09:16:00.007+01:00

Antes que los carteles con la imagen del Che (y tantos otros de corte político) aparecieran de manera profusa en las habitaciones de unas cuantas generaciones, nuestras paredes ya se habían empapelado con los de contenido gamberro-burlón y con los de los ecologistas-utópicos. Entre estos últimos sobresalían los indios americanos con sus tremendos rostros, sugerentes nombres y poéticas frases sobre la naturaleza y el respeto debido. Entre los primeros estaba el de Franz Zappa sentado en un retrete con los pantalones bajados, poster que me encantaba.
En 1984, Pierre Boulez dirigió esta pieza Dupree's Paradise con tres composiciones del disco "Perfect Strange" de Frank Zappa. La animación es de Bruce Bickford un pionero de la Stop Motion que desde principios de los setenta hasta 1980 "animó" temas de Zappa. Como podéis ver, Bickford es uno de los grandes creadores de la animación.
En 2004 Brett Ingram dirigió un documental, Monster Road, sobre la vida y el trabajo de Bruce Bickford, que ha ganado numerosos premios de festival de cine. El siguiente video es un extracto de Monster Road

Da Janela do Meu Cuarto, 2004, Cao Guimarães

2008-11-22T17:48:00.008+01:00

Como es una pena perderse la programación de acciones y situaciones, para los que no podamos ir, voy ofreciendo algunas perlas a modo de consolación.
De Da Janela do Meu cuarto, Cao Guimarães (Belo horizonte, Brasil, 1965) nos dice en el programa de mano: "Desde la ventana de mi habitación veo, bajo la lluvia y sobre la arena, una lucha amorosa entre dos niños..." lo que resulta extremadamente poético.
Cao Guimerães, de manera libre y natural, recorre el documental, el video arte y la fotografía extendiendo más allá de cualquier límite las posibilidades propias que tienen estos géneros de amalgamarse y complementarse. Su película “Andarilho” ganó este año el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. "Andarilho" cuenta las andanzas de unos mendigos, Desde la ventana... son unos niños jugando: la realidad social de su país y las historias que transcurren en sus calles protagonizan sus trabajos.
Su obra es muy prolija y se ha podido ver en museos como la Tate Modern, el Guggenhein o el Reina Sofia.

Cleaning the Mirror II, 1995, Marina Abramovic en el Museo Reina Sofia

2008-11-20T11:20:00.005+01:00

"El vídeo comienza con un esqueleto tumbado en posición supina encima de una Marina Abramovic desnuda"en acciones y situaciones en el Museo Reina Sofia.
En una entrevista Marina Abramovic (Belgrado, 1946) se lamentaba de las apropiaciones que, sin ningún tipo de reconocimiento, se hacía del trabajo de los pioneros del video arte y cómo se pervertía el espíritu de esas primeras obras. Es un hecho indudable y extesivo a otras ramas del arte. Vale la pena repasar lo ocurrido con las pinturas de Bridget Riley que, a finales de los sesenta y en los setenta la industria copió extesamente (dió lugar a uno de los juicios más interesantes por el Copyright en EEUU) y que en los ochenta los apropiacionistas volvieron a retomar.
La injusticia que supone el no reconocimiento del trabajo de los otros es indudable, pero algo de no razón tiene Abramovic porque nada que se haga actualmente es igual ni similar, aunque se parezca, a los inicios del video tanto como obra de arte como documento de las performances e instalaciones.
En las obras de Marina Abramovic hay una radicalidad acerada inexistente actualmente porque todo es otra cosa. Como en los videos de Gina Pane, Vito Acconci y tantos otros pioneros, en las performances de Abramovic se llega a un misticismo poético a través del riesgo, el ascetismo y el dolor, sin subterfugios que los palíen.
Repasaremos en otra entrada, alguna de sus obras concretas y su colaboración con Ulay que merece una mención aparte. De momento que sirva esta entrada para acercarse al Reina y ver Cleaning the Mirror directamente.

Pies de plomo (Zapateado Luz), 2007, Rubén Ramos Balsa

2008-11-17T19:57:00.003+01:00

En el Reina Sofia, dentro del ciclo situaciones y acciones dedicado a la colección Pi Fernandino, Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978) muestra su video Transformando mi sombra en una huella, 2004. También, hasta el dia 27 de noviembre 2008, podemos ver su trabajo La cantidad significativa de la forma en Santiago de Compostela en la Galeria Goran Govorcin.
RRB presentó Pies de plomo en el pabellón español de la Bienal de Venecia de 2007. El zapateado de un hombre, con el compás y los sones del flamenco, resuena en una lámpara a través de la que se transparentan levemente sus pies.

Lola Alted en la radio

2008-11-16T15:25:00.002+01:00

Otra sorpresa a la vuelta... Lola Alted ha empezado a emitir en la Cadena Ser cinco minutitos a la semana de opiniones, recreaciones y entretenimientos sobre cine. Con esa voz entre aniñada y divertida nos llegan sus reflexiones y, sobre todo, su pasión por el cine. He colgado los dedicados a Ridley Scott y a Woody Allen. Espero que tenga continuidad porque si esto es el rodaje.....
A partir de ahora podréis encontrar estos cortes en su blog sobre cine No me des pataditas en la butaca.

Vuelta de El Cairo, ¡saludos!

2008-11-14T10:37:00.004+01:00

Los viajes valen doblemente la pena, por el ir y por la vuelta. En esta ocasión la vuelta ha venido acompañada por las dos estupendas y alegres entradas que han hecho mis dos compis esquineros , Juan Carlos y Nathalie, que, como la vuelta del hijo pródigo, las celebro doblemente.
De la expo en El Cairo no tengo imágenes así es que dilato la información pero no he querido dejar de saludaros.
He hecho una pequeña entrada en mi blog personal sobre la Biblioteca de Alejandria que me encantaría que algún arquitecto completara. Vuelvo a incorporarme, saludos. Teresa

Koolhaas Houselife

2008-11-12T22:15:00.004+01:00

Una vez más el archifamoso arquitecto Rem Koohaas nos sorprende con sus propuestas, a medio camino entre la ironía, la crítica y la reflexión contemporanea. Esta vez se trata del proyecto que presentó en la Biennale Architettura 11. Mostra Internazionale di Architettura, cuyo tema era: Out There. Architecture Beyond Buildings.

Koolhaas presentó, en lugar de un nuevo proyecto, un vídeo. Se trata de una película sobre una de sus obras más representativa y aclamada: Maison à Bordeaux (Burdeos) 1998. Esta vivienda unifamiliar fue producto del encargo de un adinerado minusválido, entusiasta seguidor del arquitecto. Después de 10 años parece ser que nos quieren volver a mostrar esta pieza, pero con una pequeña singularidad: no es el arquitecto, ni el crítico, ni sus habitantes, ni sus vecinos los que nos cuentan la obra. Esta vez visitamos la casa a través de la visión y experiencia de Guadalupe, la asistenta.

Tan solo os podemos mostrar los trailers de la película.

Toda la información sobre el DVD.Book aquí.

Big Ideas (don´t get any)

2008-11-08T13:37:00.003+01:00

Tras largo tiempo de silencio, ahí va una nueva entrada.
Se trata de una pequeña joya analógica hecha por Jame Huston, diseñador gráfico recién titulado por la Glasgow School of Art's .

El trabajo consiste en un pequeño reto planteado por el grupo musical RadioHead a sus seguidores. El reto/concurso consistía en remezclar la canción Nude del album In Rainbows. Esto que parece de lo más normal tenía la dificultad añadida de que la canción está hecha con un tempo de 6/8 a 63bmp, cuando lo habitual es un tempo de 4/4 a 120bpm, lo que convierte la tarea de la remezcla en una acción prácticamente milagrosa. La respuesta ganadora del concurso es la de este joven diseñador gráfico y no tiene desperdicio, especialmente para aquellos románticos como yo que recuerdan con cariño toda esa suerte de aparatos analógicos que marcaron nuestros inicios en el mundo de lo digital, SPECTRUMs incluídos...

Big Ideas (don't get any) from James Houston on Vimeo.

Fragmentos de Perro corazón y otros, Abu Ali*Toni Serra

2008-10-30T09:57:00.002+01:00

Toni Serra, video-artista y activista cultural, vive entre Barcelona y Marraqués. Es co-director con Joan Leandre y Rosa Llop del proyecto de OVNI (Observatorio de Video No Identificado) que incluye los Archivos Babilonia y los Archivos del Laboratorio. En el 2003 hicieron una presentación de estos archivos en el CCCB de Barcelona. Mercedes Abad lo comentó en un artículo clarificador en la edición catalana de El País. Los Archivos del Observatorio recogen vídeos de autor y documentales independientes de distintas procedencias mientras que los Archivos Babilonia recogen documentos preexistentes que, "sacados del contexto en que fueron creados y exhibidos, configuran una especie de antología siniestra del Imperio" . El propio Toni Serra comenta sobre ellos (recogido en el artículo mencionado): "Cuando, en Estrasburgo, pasamos por primera vez imágenes de los Archivos Babilonia se produjo un silencio tan brutal entre el público que empezamos a sentirnos fatal pensando si no estaríamos contribuyendo a clonar y a propagar un discurso infecto. Después de todo, se trata de un material radiactivo y vírico. Pero enseguida la gente nos dijo que aquello estaba muy bien y nos dimos cuenta de que estábamos ofreciendo un catálogo de violencias".
El pasado octubre participó en el proyecto L'animal a l'esquena con els cels giren / Visions del cos ritual.
Su vida en Marruecos ha determinado parte de su trabajo como Wahab (Tánger 1994), como también una serie de documentales sobre rituales mágicos o su obra interactiva El lenguaje de los Pájaros (Marraqués 2000) una leyenda oriental. Este pequeño fragmento de Perro corazón que traemos hoy pertenece a la serie Archivos de Tánger (1998-2000) firmados como Abu Ali*Toni Serra. Recoge conversaciones en el Bar La Poste con el escritor tangerino Mohammed Chukri (autor del recomendable El pan desnudo) y el poeta neoyorquino Ira Cohen.

Apenas unos segundos de Wahab (1994) de Toni Serra con una bolsa de basura bailando y unos años más tarde una bolsa blanca bailando en American Beauty.

SIGA LA FLECHA

2008-10-23T18:13:00.009+02:00

La semana pasada se organizó en el aulaCAM de Alicante un encuentro con la artista Eva Lootz que se llamó "Tácticas contra la destrucción del Territorio"(Slow cities, guerrila gardening, street reclaiming...)
Se trataron varios temas como la sostenibilidad, el espacio público, el espacio de consumo, el espacio libre, la libertad del ciudadano, los no lugares de las ciudades, su crecimiento, la sociedad de consumo, el territorio consumido, el paisaje, la naturaleza, la demografía mundial que hace pensar en como serán las ciudades del futuro, los recursos naturales, etc.
Pocos días para tanto contenido y muchas intervencioes: Kevin Power (crítico de arte), Ana Luengo( arquitecta), Pau Soler ( arquitecto paisajista), Alberto Cainero (artista).

El resultado del taller fue mucho debate entre los alumnos, en su mayoría artistas y arquitectos, que crearon un nuevo colectivo con espacio virtual para la reflexión sobre estos temas siga la flecha
Os invito a que lo visitéis y participéis. Quién esté interesado en editar que pida las claves por correo en aulalicante@gmail.com

Aprovecho para recordaros que hoy a las 20.00h se presenta el Plan General de Ordenación Urbana de Alicante en el Colegio de Arquitectos, al que acudirá la Alcadesa.
La participación ciudadana es fundamental para mejorar nuestro paisaje. Un saludo a todos!

Jimpunk

2008-10-20T02:35:00.008+02:00

Del autor de pulp.href se sabe muy poco: que su web está registrada en Francia y su nickname (Jimpunk). Nada más, trabaja con material hackeado (imagen, vídeo y fragmentos de código)
En esta obra, Jimpunk utiliza las imágenes y los clips capturados como un material de desecho para ordenarlo, combinarlo y presentarlo como una pantalla múltiple de basura digital reciclada.
pulp.href

Urdimbre (fragmento), 2008 Teresa Lanceta

2008-10-18T21:30:00.007+02:00

¡CUMPLEAÑOS FELIZ!. El día 22 de octubre cumplimos un año y hemos preparado unos cuantos eventos.
Por mi parte he preparado un pequeño fragmento de Urdimbre, un video que presentaré en El Cairo, en una expo colectiva. Os informaré del trabajo de mis compañeros y del mio propio cuando se inaugure la exposición a principios de noviembre porque habrán videos interesantes.
Para Urdimbre he contado con la colaboración de Pablo Pereda (Nimagina) en la edición, de Adrian Iborra en el sonido y de Antonio Lanceta en cuestiones técnicas. Todos los sonidos han sido tomados durante el trabajo en el telar.Teresa Lanceta

"Teresa Lanceta ha formado buen equipo con Pablo Pereda en la edición, con el toque de sobriedad y elegancia de principio a fin, y con Adrián Iborra en el sonido. Me gustaría destacar el sonido porque quizás es el golpe de impacto. Todos los sonidos están grabados en el taller de Teresa y son producto de su trabajo. Pero me ha resultado muy curioso porque hay sonidos muy primitivos, secos, que parecen el sonido de las fábricas de la Revolución Industrial. Y otros sin embargo que parecen el más bello instrumento musical" Lola Alted

Urdimbre (fragmento), 2008 Teresa Lanceta from Teresa Lanceta on Vimeo.

A Cat in the Hippodrome, Mounira Al Solh

2008-10-16T08:19:00.001+02:00

Hace unos días encontré a Mounira al Solh (Beirut, 1978) en la red y desde entonces estaba deseando compartir este video. Como todos los suyos es bastante... pienso en todos los adjetivos que le corresponden... sencillo y conciso, inteligente, social y político, simbólico, etc, etc pero me quedo con sumamente poético y afilado con una capacidad extraordinaria para abarcar mucho con muy pocos elementos. La realidad y la ficción rompen sus límites mezclándose para dar autenticidad al relato.
Nace en el Líbano por lo tanto conoce de cerca lo que es una sociedad devastada por los conflictos y la guerra. Como mujer vive en las contradicciones de una sociedad moderna musulmana como cuenta en la siguiente entrevista Cuarto rectangular, chato, normal. Estudia arte en Beirut y en Amsterdam, ciudad donde actualmente reside. Su trabajo multidisciplinar va desde el video, la fotografía, el dibujo y la literatura. Expuso en la bienal de Venecia de 2007.
"While transforming dramatic situations into black comedy, Al Solh seems to be making an inconcisous parallelism between socio-political issues and aesthetics" (Catherine Somzé)

Ever Is Over All I, 1997, Pipilotti Rist

2008-10-14T08:10:00.007+02:00

Pipilotti Rist ya ha tenido varias entradas en El club de la esquina, pero siempre volveremos a ella. Ever Is Over All es una video-instalación a camara lenta donde una joven golpea hasta romperlos los cristales de los automóviles aparcados. Un policía pasa y la saluda. Una voz en off al final nos dice: "Hoy quiero decir que la vida es preciosa. Mira estos colores, mira esos divertidos programas de televisión. Mira el cosmos. Pero mi dolor me ha cegado. El sol se está poniendo, pronto ya no estaré más alegre. Odio todas esas ideas sobre el ideal, que no existe."
Se presentó en el MoMA de NY (de donde está tomado el primer fragmento y que es el propietario de la obra) y en Hamburger Banhof (el segundo).

Dedicado a Olga (¡Es posible, pero cómo!) Sexy Sad I no es posible insertarlo pero se puede ver en la siguiente dirección http://es.youtube.com/watch?v=33Z1yq-KoQc

Quiero ser tortilla, Citoplasmas para Veterinarios sin fronteras

2008-10-11T19:37:00.003+02:00

No lo colgué en su momento, ahora, el estreno del segundo corto de Citoplasmas para Veterinarios sin fronteras me ha hecho recordar el primero, este entrañable Quiero ser tortilla que finaliza con estas palabras:

¿Sabías que 75 de cada 100 personas que padecen hambre son productores de alimentos? (pequeños agricultores, campesinos sin tierra o pescadores).
Quiero ser Tortilla se proyectará el próximo 16 de Octubre a partir de las 20h30 en la Muestra Internacional de Cine y Derechos Humanos en la Seu Universitària de Alicante.
Como siempre Citoplasmas de la mano de Irene Iborra y Edu Puertas y en esta ocasión con la colaboración en el sonido de Adrian Iborra y Lola Alted.

Cartografía de la sospecha, 2008, Beatriz Caravaggio

2008-10-10T12:07:00.006+02:00

Cumplo con gusto esta petición de Nathalie

¿Quien vigila al vigilante? , ¿quien nos protege de nuestros protectores?, ¿quien nos defiende de nuestros defensores?. Son muchos los artistas que están reflexionando sobre estos temas tan acuciantes: Jack Faber con Whatchmen o Requiem , Bruner-Cohen con Carnivore o Thomas Köner con Nuuk
Beatriz Caravaggio afronta este tema en Madrid con un proyecto abierto a la participación y que se actualiza regularmente: "Las cámaras de videovigilancia se apropian del espacio público, ejercen control social y usurpan el derecho a la privacidad"... "Ese querer saber convierte a la persona observada en personaje y a sus actos en interpretaciones. La videovigilancia se transforma así en un género de ficción, una elucubración al servicio de la sospecha."
En su web podéis encontrar otros proyectos TAMBIÉN MUY INTERESANTES

Hasta las huevas!!!, 2008, Citoplasmas para Veterinarios sin fronteras

2008-10-07T15:27:00.006+02:00

DEDICADO A PAULA y a sus futuros compañeros de trabajo (compañeros de vida ya lo son): los animales.
HASTA LAS HUEVAS!!!, una creación de Citoplasmas (Irene Iborra y Edu Puertas ) para Veterinarios sin fronteras
"Sobre las consecuencias sociales y ambientales de la producción intensiva de salmón en las piscifactorías de Chile".

Exercices on the north side, 2007, Ibon Aranberri

2008-10-05T16:49:00.004+02:00

Hasta el 23 de noviembre, Ibon Aranberri (Itziar-Deba, 1969) presenta en el centro de arte Frankfurter Kunstverein "Disorder", una exposición que reproduce "escenarios arquitectónicos totalitarios"y que consta de dos obras: "Jardín flotante" una instalación formada por bloques de hormigón sobre unos caballetes en los que ha incrustado cristales de botellas de agua de San Pellegrino y "Cueva" un amplio trabajo de documentación de una cueva prehistórica situada en el País Vasco. Es un trabajo de documentación en el que convergen un interés científico, así como connotaciones religiosas y simbólicas. Esta exposición es una coproducción con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX)
Ibon Aranberri estudió Arquitectura, Bellas Artes y Diseño. Nació y creció en un entorno rural donde los jóvenes se relacionaban a través de cuadrillas a lo que él nunca se adhirió, su sensibilidad y su carácter lo llevaron a interiorizar sus preferencias y a encontrar un camino en el arte.
Exercices on the north side se expuso en la Documenta XII de Kassel. Es un obra experimental que incide en la tradición del cine de montaña en Europa pero cuyo argumento huye de la narración y se hace abstracto. Está filmado en 16mm.
"Más que obra acabada, presento los materiales que configurarían una línea de ficción a partir de la forma."

ENCUENTRO con Eva Lootz en el Aula CAM de Alicante, Guerrilla Gardening

2008-10-02T16:53:00.010+02:00

Los días 13, 14 y 17 de octubre, Eva Lootz dirigirá un taller en Alicante:
"Tácticas contra la destrucción del territorio" (Slow Cities, Guerrilla Gardening, Street Reclaiming) que alternará con unas mesas redondas sobre el tema
"Experiencia y arte de las alternativas"(1), el 15 a las 20,15h.
"Experiencia y arte de las alternativas"(2), el 16
Encontraréis toda la información en www.obrasocial.cam.es (eso dicen pero yo no he sabido encontrarla a día de hoy) si no llamáis al Aula CAM al 965905639 o al 902100112.
Siento dar esta información de una de manera tan chapucera especialmente de una artista que me gusta tanto pero hay que matricularse si se quiere asistir al taller y ya no hay mucho tiempo.
En la web de Eva Lootz os podéis familiarizar con su trabajo si no lo conocéis o refrescar vuestros recuerdos porque lo que traigo a colación Guerrilla Gardening está relacionado con el tema del taller que va a impartir

Luma, 2008, Antonio Dominguez y Alexandre Navarro. Interface, 2006, Diana Olalde, Alejandro Uranga y Antonio Dominguez

2008-10-01T10:33:00.011+02:00

En ocasiones me pesa lo errático del blog, me gustaría incidir sobre temas concretos y llevar una línea más determinada pero como por encima de cualquier reproche el club de la esquina es un blog para gozar y aprender viendo, pienso que los que lo sigan ya compondrán ellos la unidad que más les interese de este errático devenir y así me puedo entregar de una manera espontánea a estas joyas que se cruzan y se imponen.
Hoy corresponde disfrutar con Luma de Antonio Dominguez (vídeo) y Alexandre Navarro (sonido) y tambien con Interface, un video-performance del propio A. Dominguez, Diana Olalde y Alejandro Uranga.
Antonio Domínguez vive en la Ciudad de Méjico. Su trabajo se centra en los nuevos medios, pero tanto los que desarrolla en el ámbito de la web como sus videos y performances son ante todo búsquedas (y aciertos) experimentales. En general sus piezas son extremadamente poéticas y de contenida emoción. Sus paisajes son etéreos, paisajes del alma.
Ha fundado Betabelle.org web donde muestra tanto sus obras como sus colaboraciones.
Ahora que en las noticias aparecen las continuas tragedias que en Méjico están padeciendo y que nos desgarran a todos: ¡QUÉ VIVA MÉJICO! y ¡QUÉ LOS MEJICANOS VIVAN!
Luma es una interpretación de The Dawn del album Arcane
Interface

Cheese, 2000, Christian Möller

2008-09-27T13:56:00.006+02:00

Christian Möller (1959, Alemania) estudia arquitectura en Frankfurt y más tarde consigue una beca para la Academia de Bellas Artes de Viena. En 1990 abre un estudio de arquitectura en Frankfurt que al mismo tiempo contempla como un laboratorio de medios. Actualmente tiene una cátedra en el Departamento de Diseño y Arte Mediático en UCLA, Los Angeles.
"Cheese es un experimento sobre la arquitectura de la sinceridad" .

Seis actrices delante de una cámara tratarán de mostrar durante hora y media una sonrisa de alegria convincente por lo tanto que parezca auténticamente sincera. Cuando esta manifestación emocional recogida por una cámara decae, un sistema automatizado de percepción creado por Christian Möller en colaboración con los Laboratorios Machine Perception de la Universidad de San Diego, California hace saltar una alarma y pide a la actriz más sinceridad en su expresión. Cheese cuestiona la aparente jovialidad de la publicidad y de la industria del espectáculo, la dureza que existe al demandar una perenne expresión de alegría y la profunda melancolia y malestar que esta exigencia produce en las personas.

Como también muestra Bill Viola en su obra (y nosotros comprobamos en nuestras fotografías cotidianas), las cámaras recogen muy fielmente lo efímeras y cambiantes que son nuestras emociones.
El video-instalación en la Williamson Gallery, Art Center Pasadena, 2003

Christian Moeller (USA) - Cheese
by pablosanz

Palimpsesto, 2008, Daniel Canogar

2008-09-25T11:53:00.001+02:00

Daniel Canogar (Madrid, 1964) estudia Ciencias de la Imagen en la Complutense de Madrid y más tarde un master de Arte (fotografía) en Nueva York. En 1992 publica Ciudades efímeras un estudio sobre las Exposiciones Universales, la ambivalente contraposición de la tecnología y el espectáculo de masas que se da en ellas. Expone habitalmente en la galería Helva de Alvear en Madrid y en la galería Estrany de LaMota en Barcelona.
En la exposición Las Almas y las Máquinas presentó una pieza extraordinaria que pone de manifiesto sus ideas sobre la luz y, por tanto, sobre las sombras. Palimpsesto es una pantalla realizada con bombillas fundidas sobre la que se proyecta puntos de luz en movimiento y que el espectador en su desplazamiento por la sala logra agrupar dibujándose su silueta.
"Palimpsesto hace referencia a la fantasmagoría del siglo XVIII, espectáculo proto-cinematográfico que utilizaba linternas mágicas para crear figuras espectrales. Como en el pasado, nuestros actuales fantasmas digitales siguen embrujándonos". danielcanogar.com . Su web es muy recomendable.

HOY ABRE SUS PUERTAS CAMON

2008-09-18T21:11:00.005+02:00

con una actuación de La Casa Azul y una exposición de Nuevas Tecnologías. Las entradas para el concierto ya están agotadas pero echad una ojeada al blog de Camon para haceros una idea de su programación y de sus intenciones o bien a la entrada que le dedicamos anteriormente Camon en Alicante.
Espero que este espacio de la CAM sea positivo para los que vivimos en Alicante.... un poco lejos del mundanal ruido. "Encontrar, Experimentar y Compartir" es su lema.
¡BIENVENIDO CAMON!
(he cogido la imagen de su blog, ¿se puede? porque después de intentar leer todas las condiciones, no he sacado ninguna conclusión)

Sambenito, 2003, Cayetano Ferrández

2008-09-17T19:00:00.009+02:00

Desde Alicante....
"Cayetano Ferrández en sus trabajos, realizados en vídeo y soporte fotográfico, se apropia en cierta medida de los modos de comunicación visual de la publicidad, da vida a escenas procedentes de la más absoluta artificialidad para, mediante muñecos elevados al estatus de modelos interpretativos, desarrollar microrrelatos con personajes que narran un trasfondo de angustias con las que la publicidad nunca salpicará nuestras retinas"
Sambenito se contagia de esa atmósfera tenebrosa que envuelve al señalado y condenado. Este video forma parte de la serie "descarnados" en la que Cayetano Ferrández hace un homenaje al Goya más doloroso y oscuro.
El no-lugar es el blog a partir del cual podréis conocer mejor su obra

Kaamos Trilogy, 2007, Mia Makela (SOLU)

2008-09-16T08:48:00.002+02:00

Mia Makela (SOLU) vive en Barcelona donde y desde donde desarrolla sus trabajo, volcado en la enseñanza del arte audiovisual en tiempo real (a lo que le dedicaremos otra entrada), a la creación de audioviduales y a un conjunto de actividades relacionadas con estos medios.
Kaamos Trilogy, denota el origen finlandés de esta artista por el "sentimiento sublime" que trasmite el paisaje y el misterio de las escenas que rememoran el sentir del romanticismo nórdico aunque en Kaamos Trilogy la contemplación romántica se actualiza al transformarse en una inmersión "en el corazón de las tinieblas", como dice su web, "A journey into the heart of darkness".
Kaamos es una palabra finlandesa que hace mención a ese periodo del año donde la oscuridad prevalece y el sol abandona el día. Todas las imágenes y el sonido provienen de Finlandia.
En su web SOLU encontraréis una información completa de esta artista, sus actividades y su obra.
En n.22 de a mínima dedicado a LIVE CINEMA está comisariado por Mia Makela

KAAMOS TRILOGY from mia makela on Vimeo.

El perro que era por dentro un gato , 2002, Siri Melchior

2008-09-11T17:16:00.011+02:00

DEDICADO a casi todo el mundo porque, de una u otra manera, a casi todos nos pasa algo similar a este perro-gato. Especialmente dedicado a OLGA por unas razones y a JMTN por otras.
Tenía la idea de concentrarme, a la vuelta de las vacaciones, en el NET. Art que cada vez me interesa más. Pienso cumplir ese propósito pero, por distintas razones, se han adelantado estos cortos de animación que espero que disfrutéis.
Siri Melchior (Copenhague, 1971) estudió historia del arte y diseño gráfico en Copenhague y animación en Londres. El trabajo que presentó para su graduación- Passport - obtuvo un premio en el Festival Internacional de Animación de Stuttgart y en Ottawa. Trabaja en Passion Pictures, así como en otros estudios de animación.
"El perro que por dentro era un gato" está realizado con dibujos hechos a mano con un rico colorido y con un recuerdo cubista entre nostálgico y humorístico.
El protagonista no es un doctor Jeckill y mister Hide ni crea una lucha a muerte entre su ser perro o su ser gato..... ni siquiera es el único al que le ocurre por lo tanto no está sólo y llegará, gracias y junto a otros, a la plenitud.

The Dog Who Was A Cat Inside from trunk animation on Vimeo.

La gallina ciega, 2005, Isabel Herguera

2008-09-10T08:40:00.008+02:00

"Durante estos últimos años se ha dado un salto cualitativo en los cortos de animación que se realizan en España. Seguramente esto se debe a la accesibilidad del medio audiovisual y a que Internet es un escaparate de todo lo que se está haciendo. Este desarrollo se debe también a la labor de promoción que hacen los festivales especializados y los centros y escuelas donde se imparte animación. Por último hay que reconocer el trabajo de la industria de animación nacional bajo cuyo paraguas es posible desarrollar un trabajo independiente". Son palabras de Isabel Herguera en la entrevista que le hacen en Mosaic César Corcoles, René Rodriguez y Roser Beneito.
Isabel Herguera (1961), se licencia en Bellas Artes en el Pais Vasco, en Alemania hace un master con Nan June Paik y en 1990 amplia sus estudios de animación en EEUU donde trabajó en animación comercial. Desde 1997 tiene su propio estudio de animación, Loko Pictures. Desde marzo de 2002 dirige Animac, Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña en Lleida.
Ha sido nominada al mejor cortometraje de animación de los premios Goya en el 2006 por La gallina ciega, que relata los avatares de un ciego que pìerde su perro guía. Como en youtube sólo puede verse un pequeño corte, os traigo esta dirección de google donde lo podréis ver completo, en video.tiscali.it ¡qué vale la pena!.

Anthem,1983, Bill Viola

2008-09-07T11:14:00.006+02:00

Bill Viola sólo ha tenido una entrada con anterioridad a ésta en nuestro blog, fue The Reflecting Pool. Es muy poco teniendo en cuenta lo extraordinario de su trabajo pero espero subsanar esta carencia en parte debida a que apenas se encuentran disponibles sus videos en la red si exceptúamos las entrevistas. No es que éstas sean poco interesantes en sí mismas, es que son poco interesantes respecto a sus extraordinarios vídeos e instalaciones.
He encontrado Anthem en http://www.ubu.com/film/viola.html. Su duración de 11,3 minutos y no 1h. 3' como pone en UBU. Así es que no pospongáis verlo por falta de tiempo. Son once minutos de una gran intensidad.
Anthem (Antífona) hace referencia a unas formas musicales litúrgicas que consisten en un verso u oración corta que se canta generalmente antes o después de los salmos. Aquí se ha convertido en un grito emitido por una niña pre-adolescente en el vestíbulo de la Estación de Ferrocarril Unión de Los Angeles. El grito de pocos segundos de duración se ha alargado y modificado para conseguir una "escala" primitiva de siete notas armónicas a modo de canto religioso: la banda sonora de esta obra que a modo de "mantra" evoca los ritos contemporáneos que las imágenes nos muestran: la arquitectura industrial, las intervenciones quirúrgicas sobre el cuerpo humano o la cultura de ocio de California. Imágenes que nos enfrentan a la oscuridad y al miedo.

Noche en blanco 2008. El jardin de las delicias, Lotje de Lussanet, Fundación Carlos de Amberes

2008-09-05T19:36:00.007+02:00

Me llega desde la Fundación Carlos de Amberes la invitación a una exposición de video-arte y danza. La inauguración es el 13 de septiembre en su sede de la calle Claudio Coello de Madrid. Es una recreación sobre El jardín de las delicias pero para mejor información sobre horarios (la entrada a la danza es gratuita) os he puesto un enlace a la web de la fundación.

Passes de nan, The BonsoSessions I, LIMB, Rafa Zaragoza

2008-09-04T09:05:00.008+02:00

Rafa Zaragoza se reune desde hace años con unos amigos-músicos en un local de Gràcia (Barcelona) donde han preparado este disco (una autoproducción del Laboratori d'Improvisació Musical Bonsó LIMB). Poder compartir un trabajo de creación con los amigos es verdaderamente gratificante y la satisfacción que eso produce la han transmitido a sus piezas.
Esta producido bajo licencia de Creative Commons. Para poder encontrarlo y tener una mayor información os remito al blog de Rafa.

PASSES DE NAN - LIMB - BARCELONA - GRÀCIA

Para los perezosos o para los apresurados que no leen los comentarios: "Este tema en concreto es una improvisación abierta, sin pautas y tal como se tocó, así aparece en el disco.....
No sabíamos como titularlo, y como al final del tema aparece un guiño melódico de la guitarra que recuerda el 'Giant steps' ('Pasos de gigante') de John Coltrane, por razones de pura modestia musical decidimos llamarle 'Pasos de enano'" Rafa Zaragoza

Las navidades de un yonqui, William Burroughs

2008-09-03T08:30:00.005+02:00

Mercè Romaní me sugerió "The junky's Christmas", un breve cuento de William Burroughs que el propio escritor-icono de la generación beat lee y presenta en el corto de animación que la productora Zoetrope (Francis F. Coppola) realiza bajo la dirección de Nick Donkin.

Aunque William Burroughs experimentó con el lenguaje y la literatura tanto como lo hizo con su vida personal, este pequeño cuento resulta bastante convencional lejos de la experimentación, la poesia y los aciertos que alcanza con sus obras "Ciudades de la Noche Roja", "El Lugar de los Caminos Muertos" y "Tierras del Occidente".
Sus contactos con el cine han sido constantes:
Narrador en "Querelle" de Fassbinder, sus obras han sido llevadas al cine por Cronenberg en "El almuerzo desnudo", "Cowboy de medianoche" por Gus Van Sant, etc.
¡Siento muchísimo los invasivos subtítulos!

Las Navidades de un Yonqui - William Burroughs

¡VOLVEMOS Y YA......

2008-09-01T09:01:00.010+02:00

UN PRIMER CONTRATIEMPO! pero espero que sea una excepción y que la vuelta de esa fantasia maravillosa, que son las vacaciones, venga llena de buenas nuevas para todos porque con los años se confirma esa intuición que uno tiene de pequeño: el mejor caramelo es el compartido.

Y el contratiempo: han censurado el video de Olga Diego que tenía preparado para la vuelta.¿¿¿???. Formaba parte del trabajo que presentó en el Festival LGTBI, Diversa'08 de Elche y me gustaba mucho por varios motivos. No voy a decir ahora nada con la esperanza de que pueda recuperarse y entonces dedicarle la entrada que se merece (por ejemplo, el uso tan sabio que hace del bucle).
De momento os remito a las entradas que le he hecho con anterioridad y a sus propios blogs. ALUNIZADA es uno de sus últimos blogs (desde éste podréis acceder a los demás) y en él se recoje su vuelo en la playa del Carabassi ayudada por amigos, familiares y espontáneos entre los que se incluye a su perrita que participó en lo que pudo y a los policias que clausuraron la acción.

¡Nos vamos unos días de vacaciones!

2008-08-09T18:46:00.005+02:00

Algunos vídeos me gustan tanto que me apena colgarlos para que, unos días más tarde, queden enterrados por los nuevos y no os dé tiempo a verlos por lo que ahora es una buena ocasión para rescatar todos aquellos que no hayáis visto incluso saborear de nuevo los que ya conozcáis.
Los casi 200 que pueden verse en nuestro blog no son más que una ínfima punta del descomunal iceberg que es la creación audiovisual. Faltan muchísimos pero al menos los que hay, están de pleno derecho.
¡Felices vacaciones y que disfrutéis mucho! ¡Y que la felicidad llegue también para los que estén currando!

Stealing Beauty, 2007, Guy Ben-Ner

2008-08-06T08:04:00.009+02:00

¡Sólo 8' de 27' que dura el vídeo....! pero con ellos podremos asomarnos casi... a Stealing Beauty de Guy Ben-Ner (Israel, 1969) y si no estáis conforme con estas pequeñas muestras, subiros a a su página en UBU y lo veréis completo.
El artista y su familia (de artistazos-humoristas) se instalan en Ikea donde hacen transcurrir su cotidianidad familiar: se acuestan, pasean en ropa de cama, desayunan, leen, friegan platos, conversan y discuten entre etiquetas y precios y ante la mirada de los auténticos clientes hasta que el equipo de seguridad descubre su andanzas y los invita cortésmente a abandonar el centro comercial (esta parte mencionada en distintos blogs, no está en el vídeo ¿es así?) entonces se trasladan a otro Ikea y vuelta a empezar.
El sonido recoge discusiones sobre la propiedad y el robo, la familia, el dinero y el amor.
¡El vídeo estupendo!

Lugares comunes. La experiencia colectiva en el vídeo latinoamericano. Mauricio Dias and Walter Riedweg

2008-08-04T08:28:00.005+02:00

Lugares comunes. La experiencia colectiva en el vídeo latinoamericano muestra la activa y activista creación audivisual en latinoamerica y Brasil. Organizada por Laura Baigorri para el Centro José Guerrero bajo de Granada, puede ser visitada hasta el 5 de octubre, 2008.
Dentro de ella:
Mauricio Dias (Rio de Janeiro, 1964) y Walter Riedweg (Suiza, 1955) trabajan juntos desde 1993. En 1995 empezaron Devotionalia en principio como un taller móvil donde los niños de la calle Lapas de Río de Janeiro hacía un molde de escayola de su pie o de sus mano, a modo de exvoto que fueron expuestos así como los videos tomados en estas acciones en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y posteriormente por museos de Europa.
En 2003 presentaron en la 8ªBienal de la Habana, nuevos vídeos sobre esta acción en los que se recogía la situación en aquellos momentos de los niños que habían participado en los talleres de 1995, en qué condiciones se desarrollaba su vida y cuántos de ellos habían muerto.
En 2003 expusieron sus instalaciones en el MNAC de Barcelona en la que una de ellas entrevistaba a hombres que ejercían la prostitución en esta ciudad.

FunkStaden es la instalación que presentaron en la Documenta 12

Fuego en Castilla, 1858-60, José Val de Omar

2008-07-29T07:59:00.008+02:00

José Val del Omar (Granada 1904 - Madrid 1982) aunó, como anteriormente había hecho Segundo de Chomon, un sentido creativo con una inventiva para la técnica cinematográfica extraordinaria. El ''desbordamiento apanorámico de la imagen'' fuera de los límites de la pantalla, el concepto de ''visión táctil'', el ''sonido diafónico'' y otras exploraciones en el campo sonoro son los principales inventos que llevó a cabo tras las siglas PLAT (Picto-Lumínica-Audio-Táctil) y que puso en práctica en su Tríptico Elemental de España. Esta obra iniciada en 1952 fue concluida póstumamente casi como si hubiese querido poner en práctica sus ''Sin fin'', palabras con las que cerraba sus películas. Recientemente su trabajo ha sido redescubierto y cada vez más valorado. Su web recoge sus obras, su curriculum y sus colaboraciones.; una de las partes más interesantes "laboratorio" dedicada a sus investigaciones y descubrimientos está en construcción. La Filmoteca de Andalucia ha editado y distribuido por las bibliotecas públicas un DVD con su obra restaurada.
Fuego en Castilla, la obra que proponemos a continuación, en palabras de Val de Omar “Castilla se presenta sin color, sin melodía, sin timbres y sin palabras. En un monorritmo jondo de un ciego temblor de uñas, ante el mundo que está próximo y propicio a sumergirse en el gran espectáculo de la invasión del Valle de las Diferencias por el Fuego que nos reintegra a la Unidad”

Malagana, Rogelio López Cuenca

2008-07-24T08:43:00.003+02:00

Hacía ya tiempo que quería recomendaros el trabajo de Rogelio López Cuenca (Nerja, Málaga, 1959) que se aprecia muy bien en su web. Sus textos son también muy interesantes.
Lo que me gusta especialmente de él es el trabajo sobre Málaga, sus investigaciones, imágenes y textos documentales y que lo ubique en el terreno del arte. No sé expresarlo con nitidez (el que sepa hacerlo con claridad, ruego que hago un comentario sobre ello) pero diré que me gusta que el arte sea Málaga 1937.

" El arte ya no puede consistir en la representación de paisajes exteriores o de paisajes interiores o mentales, porque su espacio es la discusión sobre el significado de lo que ya compartimos, los lenguajes que ya hablamos".

Rogelio López Cuenca y lo común es un texto escrito por Charles Bernstein que capta muy bien la obra de Rogelio, sobre todo el espíritu de esa obra. Transcribo una de sus reflexiones pero recomiendo leer el artículo completo que presenta málART

"Las distinciones entre la vida cotidiana
y el arte no pueden deshacerse porque
la vida cotidiana está siempre un poco por delante
de este juego. Por eso Duchamp, a pesar
de los cartógrafos postmodernos, es el artista moderno
por excelencia; y por eso la modernidad,
hasta la II Guerra Mundial, podía sintetizar
lo culto y lo vulgar, lo popular y lo elitista, mientras que
en la economía cultural de la postguerra los esfuerzos
de este tipo, como los de Warhol (en su arte "culto",
no en sus películas), abandonan la vida
cotidiana, volviendo la atención a la objetualización
de cosas y personas.Por supuesto, romper
la distinción entre arte y embalaje
resultó una empresa más lucrativa que
romper la distinción entre el arte
y la vida cotidiana".

Steriogram ( Walkie Talkie Man), Michel Gondry

2008-07-20T11:54:00.004+02:00

Aunque no seamos partidarios de llenar el blog con videos musicales, es imposible sustraerse a la gracia de muchos de ellos y, desde luego, la inventiva creatividad de Gondry es fascinante. Unos hilos tejen y destejen, en manos de una moderna Penélope, un estudio de música donde ruedan su video clip los Walkie Talkie Man.
Michel Gondry tiene a la venta varios DVD recopilatorios de sus colaboraciones con grupos musicales. Vale la pena tenerlos. También se difruta con su web

El hotel eléctrico, 1908, Les Kiriki, 1907, Segundo de Chomon

2008-07-16T17:39:00.006+02:00

Segundo de Chomon (Teruel, 1871-1929) vivió en la época de los inicios del cine y contribuyó con sus investigaciones a su evolución, fue director, fotógrafo, pintor de películas, guionista, rotulador, productor, inventor, investigador, innovador de efectos especiales y trucos de cine y en lo que nos interesa, fue uno de los padres de la animación. En 1908 realizó "El hotel eléctrico" siguiendo su invento de "paso de manivela" que dotaba, fotograma a fotograma, de movimiento a los objetos. En este hotel con la más alta robótica (o mágica) tecnología, las maletas llegan solas a las habitaciones, los cepillos peinan solos o los zapatos se atan sus cordones creando situaciones cercanas al espíritu dadaísta y surrealista que llegará más tarde.

Sus hallazgos corren en paralelo y, en competencia, con los de Méliès desde productoras en férrea competencia. Chomon trabaja para la Pathé Frères la productora más importante del mundo en aquellos momentos ya que tenía el monopolio sobre el celuloide virgen.
Diseña unas plantillas de celuloide que facilitaban este trabajo y que conseguían mayor precisión en la delimitación del color y utiliza por primera vez el travelling en interiores sobre una plataforma con ruedas.

¿Habéis visto Toe Jam que youtube no deja colgar?. Os pongo el enlace a Myspace

Jumping, Tezuka Osamu

2008-07-15T19:18:00.006+02:00

Osamu Tezuka (Osaka 1928-1989) fue dibujante de manga y animador japonés, creador del personaje Astroboy y de series tan influyentes como "Fénix", 1954 y "Budha", 1972-83. Buda es una extensa obra publicada en varios volúmenes sobre la vida de Buda, ofreendo una visión muy personal del personaje. Fénix cuenta la eterna e infructuosa búsqueda del ser humano de la inmmortalidad a través de diferentes historias que transcurren en tiempos diferentes y civilizaciones. El quinto volúmen, Ho-ō (Karma), el núcleo de esta obra, narra magistralmente la progresiva transformación de un criminal.

En 1965 Stanley Kubric le ofreció la dirección artística de 2001, Odisea del Espacio que no aceptó para no tener que abandonar Japón.

Su estilo perdura y sus cómics han sido traducidos a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo de sus personajes hacen de él un autor universal y abordó temas poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas.
Realizó aproximadamente unos 700 mangas, dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. A su muerte fue aclamado como "el dios del manga".
Jumping me trae el recuerdo de I can't stop de Zbig Rybzynski aunque sin su angustioso dramatismo.

Darkness/Light/Darkness, 1989, Jan Svankmajer

2008-07-14T20:23:00.005+02:00

¡Como es la semana de Stop motion: Sesión doble!. Jan Svankmajer (Praga, 1934) es un artista gráfico, escultor, diseñador, poeta, actividades que utiliza en sus peliculas de animación en Stop Motion. Con una fuerte impronta surrealista consigue crear un ambiente de pesadilla no exento de humor. Svankmajer trabaja principalmente con muñecos, pero también con actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas antiguas o esqueletos de animales.

Hasta los huesos, 2001, Rene Castillo

2008-07-14T19:36:00.005+02:00

¡Semana de Stop Motion en la UA!. Esta mañana en su clase de Stop Motion, Irene Iborra ha proyectado "Hasta los huesos", esta joya mejicana. Contaba que Tim Burton niega cualquier implicación de La novia cadaver con esta pieza, puede que sea verdad....
Como buen mejicano Rene Castillo nos dice que la muerte quizá sea una continua fiesta más interesante que la propia vida.

En Golem Producciones hay una entrevista a Rene Castillo que vale la pena leer

Siguiendo a Lola: "Bendito Machine 2", Zambakamera y "And She Was", Talking Heads

2008-07-11T11:29:00.015+02:00

Siempre que veo los blogs de Lola Alted me entran las ganas de copiarle algo, ya lo hecho alguna vez por eso me contengo pero esta vez no puedo. Cuando veáis los videos, lo comprenderéis.
El de David Byrne lo traigo por varias razones: hace tiempo que el club de la esquina no cuelga ningún video musical y los de Byrne con Talkings Heats o con Eno son imprescindibles y además por estas fechas Byrne tiene una escultura-robot en la exposición del Reina (MNCARS, Madrid) Maquinas & almas que vale la pena acercarse a verla.
El de animación de Zambakamera porque desde que lo presentó en su sesión de El club de la esquina, he estado deseando traerlo.
Lola ha colgado el primer video en Ando perdida pero no preocupada y el segundo en No me des pataditas en la butaca. No es muy acertado por mi parte mezclarlos....

Cuelgo "And She Was"de Talking Heads y no puedo subir "Toe Jam" por lo de youtube y lo de herir la sensibilidad (quien ha escrito esto en Youtube no vive a unas manzanas de la playa por lo que su visión del cuerpo humano debe ser diferente). No obstante, lo podéis ver en Myspace. Es divertido y veraniego, también de la mano de David Byrne

Bendito Machine 2

Premios 2008culturas.com

2008-07-10T07:36:00.003+02:00

El 3 de julio en el Círculo de Bellas Artes de Madrid fue la entrega de los premios para el diálogo intercultural 2008culturas.com.
Los premiados y seleccionados pueden verse en la web de la convocatoria además de la convocatoria completa que ha sido un regalo.
Los elegidos para el primer premio:
Fernando A.París y Marilyn Birchfield por Caracas Metamorfosis 2.0.0.8, una pieza de videoarte enmarcada en la sección Coordenadas
Sebastián Laudenbach, en la sección Desplazamientos con un corto; Abraham Martínez Soriano, en Fronteras, fotografía; Fernando Velázquez, Bruno Favaretto y Francisco Lapentina, en Lenguajes con su obra de net.art; y Andrey Fyodorov y Olga Kuznetsova, en Marcados, música.
El certamen incluye el Premio Especial Instituciones y Servicios Penitenciarios de España recaído en dos grupos de internos del Penal del Dueso (Cantabria) y el Centro penitenciario de Brians (Barcelona).

1ª Edición del Concurso Nacional de Videocreación Click&Rec 08

2008-07-09T14:45:00.004+02:00

Nos llega un poco tarde esta información (que copio tal cual) por lo que... al que quiera participar, el tiempo le apremia y el que no, al menos está a tiempo de ver las propuestas y votarlas:

Adjunto nota de prensa con el anuncio de la Convocatoria de la 1ª Edición del Concurso Nacional de Videocreación organizado por clicksegurosen colaboración con PHotoEspaña
es un concurso público al que pueden concurrir todas las personas mayores de 18 años, residentes en territorio nacional que accedan a la página web, www.concursoclick.com, faciliten sus datos personales y suban su pieza de videoarte, según las especificaciones técnicas requeridas.
La primera edición de bold;">Click&Rec 08 girará en torno al concepto “Territorios” y todos los trabajos que se presenten deberán estar relacionados con esta temática. Las piezas de videoarte que opten al concurso no podrán tener una duración superior a los 3 minutos y deberán presentarse en un formato de 16:9 con 600x340px de resolución, sin que su peso exceda los 30 megas. De igual modo, los formatos en los que pueden presentarse los trabajos son: wmv, mpg, mpeg, avi, mov, flv, rm, 3gp, mp4 y asf.

Desde el 4 de junio hasta el 21 de julio, los participantes podrán subir sus piezas de videoarte a la página web oficial del concurso www.concursoclick.com.

Premio del Jurado

Semanalmente, el jurado realizará una preselección de las mejores piezas presentadas en función de su calidad artística y ejecucional. Las piezas seleccionadas se exhibirán en la web oficial de PHotoEspaña www.phedigital.com. Sólo las piezas seleccionadas por el Jurado cada semana optarán al Premio del Jurado.

El 21 de Julio se cerrará el plazo de entrega de piezas de videoarte y será entonces cuando el jurado realizará su última selección para deliberar sobre los vídeos seleccionados y elegir al ganador del Premio del Jurado. Clickseguros premiará al ganador con el apadrinamiento de su próxima pieza de videoarte.

Premio del Público

El Premio del Público se determinará a través de las votaciones de los visitantes de la web oficial del concurso >www.concursoclick.com . De esta forma, hasta el 21 de julio, los visitantes de la web podrán votar -sin necesidad alguna de registrarse o proporcionar información- sus piezas favoritas.

Camon en Alicante

2008-07-09T14:15:00.004+02:00

Hemos recibido esta información que, especialmente en Alicante, es agua de mayo. La copio íntegramente para no equivocarme.

CAMON Alicante

Dirección: Alicante, ALICANTE

Descripción:

Revolución CAMON

El próximo mes de septiembre se inaugura la programación de la nueva Aula CAMON.

CAMON es un proyecto pionero de carácter mundial que ofrece un entorno virtual donde los usuarios pueden compartir sus creaciones, además de proporcionar las herramientas adecuadas para la materialización de sus proyectos.

CAMON es una avanzada apuesta por el uso de la tecnología en favor de la cultura sin ánimo de lucro, sin perder la vocación social y sin descuidar los valores originales de Obras Sociales de Caja Mediterráneo.

CAMON reinventa la manera de aprender.

Lo que ocurra en el aula física (aula CAMON de Alicante) podrá ser seguido desde el ordenador de casa (www.tucamon.es) y además pasará a formar parte del Fondo CAMON, donde cualquier usuario, debidamente registrado podrá acceder y formarse cuándo y cómo quiera a través del Fondo CAMON.
El lema de CAMON es Encontrar>Experimentar>Compartir. El usuario busca en CAMON y encuentra los temas que le resultan más atractivos. Con ellos experimenta, juega, se equivoca, vuelve a jugar, y finalmente comparte con otros aquello que ha creado o ha aprendido.

¿Qué es CAMON?

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Este martes 10 de junio, de 18 a 20h, Camon continúa su actividad:"MediaLab Prado: Una plataforma de Investigación y Producción".
Está orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura
digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia, tecnología y
sociedad. El objetivo principal es crear una estructura en la que tanto la
investigación como la producción sean procesos permeables a la
participación de los usuarios.
La exposición virtual "Con fines matrimoniales", de Laura Hernández, se
termina este viernes. El próximo lunes, en el espacio Camon, disfrutaremos
de la nueva exposición "Fantastic Prayers".
La próxima actividad programada será "Grafitti: Técnicas de
Ilustración". El Jueves 12 de junio, viernes 13 y sábado 14 de 18 a
20.30h.
Los nuevos usuarios que quieran participar como betatesters deberán mandar
un mail a ayuda@tucamon.es con los datos: Nombre y apellidos, email,
contraseña y nombre de usuario.

Laboratorio Local Camon, c/ Ramón y Cajal 5, Biblioteca Gabriel Miró.