Strongest Man y Transhuman Dance Recital # 1, Jeremy Bailey

Podéis consultar las web de Jeremy Bailey (Toront0), una dedicada a sus trabajos como video-artista y la otra a sus diseños . No creo que ninguna de las dos os defraude a no ser que estéis, por circunstancias personales, de uñas con la comedia.... porque como "comediante digital" es muy divertido.
Sus hilarantes actuaciones están realizadas, con bastante gracia y descaro, en tiempo real frente a la cámara con un programa de su creación mientras las emite por internet. La pantalla del ordenador se convierte en el "lugar"donde ocurren las cosas, es la mirilla por donde vemos las acciones de Bailey y también es el soporte y escenario de ellas. Sus historias son breves y se basan en las funciones del ordenador y el uso de la red pero, a pesar de la burda apariencia de sus videoperformances, tienen una sutileza e ironía que las hace entrañables.
Con el software de su creación realizó, SOS, una serie de seis episodios producida por la televisión canadiense en la que Bailey protagoniza sus actuaciones en directo recreando los documentales de divulgación y las videodemos comerciales que enseñan a utilizar programas pretendidamente populares.
Bailey actualiza de manera jocosa la voluntad que tuvieron muchos artistas del siglo XX de indagar e incidir en la lingüística del arte al utilizar los propios medios artísticos (materiales, técnicas) como tema de su obra incluyendo la percepción como uno de los medios más importantes.
También actualiza el arquetipo del protagonista por lo que ya no es el "hombre"( joven o no), ni la "mujer" (indudablemente joven en los desnudos pero por encima de todo "mujer") sino el "joven" como tal, por ello no le faltan granos... La soledad tampoco es la congénita al ser humano sino la del joven encerrado en su habitación desde donde descubre tantas cosas.....

En el Reina Sofia.... Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007 con Thoneteando de Pablo Reinoso

Siguiendo con Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007 traemos Thoneteando de Pablo Reinoso (1955, Buenos Aires) .
Reinoso es un artista multidisciplinar: escultor, fotógrafo, vídeoartista, es también un reconocido diseñador de grandes firmas de moda como Givenchy, Loewe, etc. Thonetenado es un vídeo de factura simple pero de contenido barroco. Sobre un espacio extremadamente blanco una mujer busca acomodarse física y psíquicamente a unas esculturas realizadas a partir de las sillas Thonet. Ese infructuoso "acomodo" nos acercaría a un humorístico teatro del absurdo si no fuera porque esas esculturas son tan potentes, cálidas y conocidas que rivalizan con una maravillosa Blanca Li cuya extraordinaria actuación deja espacio para la reflexión sobre el arte, las formas y los recuerdos.
“La obra parece encarnar un sistema (de producción) capaz de materializar un catalogo inagotable de posibilidades combinatorias, como lo fue el catalogo Thonet de 1904, con sus 3.500 modelos”. Pablo Reinoso

Huellas, 2003, Regina José Galindo

"Mi cuerpo no como cuerpo individual sino como cuerpo colectivo, cuerpo global. Ser o reflejar a través de mi, la experiencia de otros; porque todos somos nosotros mismos y al mismo tiempo somos los otros. Un cuerpo que es, entonces, el cuerpo de muchos, que hace y se hace, que resiste y se resiste.." Regina Jose Galindo entrevistada por Maura Reilly
Regina Jose Galindo (1974, Guatemala) utiliza su cuerpo como el espacio donde transcurren sus acciones en las que resuenan la tragedia y el dolor de muchas mujeres y la injusticia a la que sus vidas son abocadas.
¿Quien puede borrar las huellas? es la performance que traemos, en ella Regina caminaba descalza por la ciudad con una palangana llena de sangre en sus manos en la que iba mojando sus pies para dejar las huellas de los pies ensangrentados como respuesta a la vuelta del dictador Efraín Ríos Montt como candidato a la presidencia de Guatemala. Las acciones de Regina, lejos de mitos y de la estética del dolor, son el reflejo de la violencia que envuelve a Guatemala y a muchos de sus países vecinos. Son escuetas y precisan bien el tema.

de la serie Fuego, Olga Diego

Invitados por el Director General de Bellas Artes volvemos a Egipto para participar en la XI Bienal de El Cairo. Olga Diego, Begoña Martinez y Anja Krakowski lo han hecho además físicamente, el resto de nosotros con la obra. Olga Diego lleva unos videos de su serie Fuego realizados para esta ocasión, esperando que los cuelgue, presentamos esta acción que llevó a cabo en el 2007. Como siempre, la intensidad y la firmeza con la que lleva sus acciones sobrecoge.

Cleaning the Mirror II, 1995, Marina Abramovic en el Museo Reina Sofia

"El vídeo comienza con un esqueleto tumbado en posición supina encima de una Marina Abramovic desnuda"en acciones y situaciones en el Museo Reina Sofia.
En una entrevista Marina Abramovic (Belgrado, 1946) se lamentaba de las apropiaciones que, sin ningún tipo de reconocimiento, se hacía del trabajo de los pioneros del video arte y cómo se pervertía el espíritu de esas primeras obras. Es un hecho indudable y extesivo a otras ramas del arte. Vale la pena repasar lo ocurrido con las pinturas de Bridget Riley que, a finales de los sesenta y en los setenta la industria copió extesamente (dió lugar a uno de los juicios más interesantes por el Copyright en EEUU) y que en los ochenta los apropiacionistas volvieron a retomar.
La injusticia que supone el no reconocimiento del trabajo de los otros es indudable, pero algo de no razón tiene Abramovic porque nada que se haga actualmente es igual ni similar, aunque se parezca, a los inicios del video tanto como obra de arte como documento de las performances e instalaciones.
En las obras de Marina Abramovic hay una radicalidad acerada inexistente actualmente porque todo es otra cosa. Como en los videos de Gina Pane, Vito Acconci y tantos otros pioneros, en las performances de Abramovic se llega a un misticismo poético a través del riesgo, el ascetismo y el dolor, sin subterfugios que los palíen.
Repasaremos en otra entrada, alguna de sus obras concretas y su colaboración con Ulay que merece una mención aparte. De momento que sirva esta entrada para acercarse al Reina y ver Cleaning the Mirror directamente.

Luma, 2008, Antonio Dominguez y Alexandre Navarro. Interface, 2006, Diana Olalde, Alejandro Uranga y Antonio Dominguez

En ocasiones me pesa lo errático del blog, me gustaría incidir sobre temas concretos y llevar una línea más determinada pero como por encima de cualquier reproche el club de la esquina es un blog para gozar y aprender viendo, pienso que los que lo sigan ya compondrán ellos la unidad que más les interese de este errático devenir y así me puedo entregar de una manera espontánea a estas joyas que se cruzan y se imponen.
Hoy corresponde disfrutar con Luma de Antonio Dominguez (vídeo) y Alexandre Navarro (sonido) y tambien con Interface, un video-performance del propio A. Dominguez, Diana Olalde y Alejandro Uranga.
Antonio Domínguez vive en la Ciudad de Méjico. Su trabajo se centra en los nuevos medios, pero tanto los que desarrolla en el ámbito de la web como sus videos y performances son ante todo búsquedas (y aciertos) experimentales. En general sus piezas son extremadamente poéticas y de contenida emoción. Sus paisajes son etéreos, paisajes del alma.
Ha fundado Betabelle.org web donde muestra tanto sus obras como sus colaboraciones.
Ahora que en las noticias aparecen las continuas tragedias que en Méjico están padeciendo y que nos desgarran a todos: ¡QUÉ VIVA MÉJICO! y ¡QUÉ LOS MEJICANOS VIVAN!
Luma es una interpretación de The Dawn del album Arcane
Interface

¡VOLVEMOS Y YA......

UN PRIMER CONTRATIEMPO! pero espero que sea una excepción y que la vuelta de esa fantasia maravillosa, que son las vacaciones, venga llena de buenas nuevas para todos porque con los años se confirma esa intuición que uno tiene de pequeño: el mejor caramelo es el compartido.

Y el contratiempo: han censurado el video de Olga Diego que tenía preparado para la vuelta.¿¿¿???. Formaba parte del trabajo que presentó en el Festival LGTBI, Diversa'08 de Elche y me gustaba mucho por varios motivos. No voy a decir ahora nada con la esperanza de que pueda recuperarse y entonces dedicarle la entrada que se merece (por ejemplo, el uso tan sabio que hace del bucle).
De momento os remito a las entradas que le he hecho con anterioridad y a sus propios blogs. ALUNIZADA es uno de sus últimos blogs (desde éste podréis acceder a los demás) y en él se recoje su vuelo en la playa del Carabassi ayudada por amigos, familiares y espontáneos entre los que se incluye a su perrita que participó en lo que pudo y a los policias que clausuraron la acción.

Stealing Beauty, 2007, Guy Ben-Ner

¡Sólo 8' de 27' que dura el vídeo....! pero con ellos podremos asomarnos casi... a Stealing Beauty de Guy Ben-Ner (Israel, 1969) y si no estáis conforme con estas pequeñas muestras, subiros a a su página en UBU y lo veréis completo.
El artista y su familia (de artistazos-humoristas) se instalan en Ikea donde hacen transcurrir su cotidianidad familiar: se acuestan, pasean en ropa de cama, desayunan, leen, friegan platos, conversan y discuten entre etiquetas y precios y ante la mirada de los auténticos clientes hasta que el equipo de seguridad descubre su andanzas y los invita cortésmente a abandonar el centro comercial (esta parte mencionada en distintos blogs, no está en el vídeo ¿es así?) entonces se trasladan a otro Ikea y vuelta a empezar.
El sonido recoge discusiones sobre la propiedad y el robo, la familia, el dinero y el amor.
¡El vídeo estupendo!

Painter (preview), 1995 Paul McCarthy

"Creo que mi trabajo trata sobre el trauma, mi experiencia del trauma, físico, trauma mental, abuso. Actuo como un payaso, alimentando a la fuerza agujeros, actuando alucinaciones físicas, cambios de tamaño, cambios de peso. La realidad es un alimento que ingerimos a la fuerza: trágate esto. Mis acciones son vicerales, deseo que sean viscerales"

McCarthy nace en Utah, EEUU, en 1945. Estudia arte, cine y video. Las performances de McCarthy tratan situaciones donde el individuo pierde el control de sí mismo y de su propio cuerpo poniendo de manifiesto pulsiones y comportamientos destructivos. Parodia temas próximos al accionismo vienés utilizando, como los vieneses, fluídos, comida y pintura sobre el cuerpo con una alta carga de violencia y con una intencionalidad crítica sobre los íconos culturales como nuestro"painter" que dice machaconamente "I can´t do it, I think I will ". A pesar del cómico comportamiento de este pintor, logra transmitirnos la tristeza de su desesperanzada, grotesca y lírica actuación.
El Mundo le hizo una excelente entrevista. Solamente hemos podido colgar un preview de "Painter" pero en la siguiente dirección se encuentra completo. Es bastante largo (más de media hora) pero vale la pena.

http://www.ubu.com/film/mccarthy.html

Conical Intersect, Gordon Matta-Clark

Gordon Matta-Clark (1943-1978), hijo del pintor surrealista Roberto Matta, estudió arquitectura en Nueva York y literatura en París, pero aunque nunca ejerció de arquitecto se hace difícil comprender la maestría con la que llevaba a cabo sus proyectos, sus "cuttings" y demoliciones. En 1968 participó en una exposición de Earth Art del que se desvinculó por completo al elegir la ciudad y no la naturaleza en sus siguientes intervenciones. De este movimiento conserva el uso de unas herramientas potentes, excavadoras, palas mecánicas, sierras, etc, capaces de transformar el paisaje, en su caso, el urbano. Con ellas corta edificios abandonados haciéndoles orificios en forma de triángulos o círculos, vaciando zonas, tirando paredes que imprimen a estos edificios formas escultóricas en las que la luz adquiere un protagonismo crucial. "Cortes" que iluminan a la vez que nos permiten percibir de un manera diferente la calle y su entorno. Uno de sus asistentes recordaba: “Solíamos entrar a los edificios que estaban a punto de ser demolidos al sur del Bronx y, sierra en mano, cortar grandes formas geométricas en las paredes, los techos y el piso. Era un trabajo aterrador, con bloques y bloques de edificios derruidos, habitados por drogadictos y vagabundos. Gordon miraba extasiado las capas de yeso y las vigas que iban apareciendo como si fueran excavaciones arqueológicas", también Matta-Clark lo aclaraba con estas palabras: "La auténtica naturaleza de mi trabajo con edificios está en desacuerdo con la actitud funcionalista, en la medida en que esa responsabilidad profesional cínica ha omitido cuestionar o reexaminar la calidad de vida que se ofrece".

Open book, 1974, Vito Acconci

Vito Acconci nace en Nueva York en 1940. Se forma en el campo de la literatura, de ahi sus inicios como poeta. Sus primeras acciones son lecturas de sus poemas pero poco a poco va abandonando la significación de las palabras y se aparta por completo de la escritura. Su cuerpo se convierte en el lienzo o en la página en blanco donde se realizan o se llevan a cabo las acciones que serán fotografiadas o grabadas: "He utilizado la cámara fotográfica para definir tanto mi cuerpo en el espacio como mi cuerpo como espacio. Por ejemplo extenderme en el suelo y fotografiarme en esta posición, caminar en la calle intentando no cerrar los ojos al hacerme la foto, etc. La cámara sirve entonces como una documentación del trayecto de lo exterior a lo introspectivo que me permite penetrar en el interior de mi cuerpo". Vale la pena ver su web. http://www.acconci.com/ No os perdáis You're going to die. Continuará...
Gary Hill tiene unos trabajos similares aunque exentos del humor que recorre la obra de Acconci.

Untitled aka Body Tracks (Blood Sign # 2), 1974, Ana Mendieta

Ana Mendieta nació en la Habana en 1948 y murió en una muy controvertida y trágica muerte en Nueva York en 1985. En 1961, ella y su hermana habían llegado con otros miles de niños cubanos, sólos y sin familia, a EEUU como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense para perservar la religión de los niños cubanos. Mendieta supo reflejar esta fuerte experiencia y sus orígenes en su obra. Utilizó la sangre, muestra de la violencia física y elemento místico y vitalista, como material artístico y su cuerpo como el soporte trasmisor de sus ideas pero lo hace con una lucidez extraordinaria logrando trascender sus cinscunstancias personales. En sus obras, lo primitivo queda enfrentado a la actualidad tanto política como a su propio compromiso con el arte. En 1997, en La Fundación Tàpies, con Gloria Moure como comisaria, se mostró su trabajo.
"Me he lanzado dentro de los elementos mismos que me produjeron, usando la tierra como mi lienzo y mi alma como mis herramientas"
Video exhibido en la Bienal de San Paulo en 2006

Accionismo Vienés, Otto Muehl, Rudolf Schwarzkogler, Hermann Nitsch, Günter Brus

A los que me escucháis los viernes.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, CAAC de Sevilla acoge hasta el 25 de mayo una exposición sobre el accionismo vienés que, sabiendo que tiene como comisaria a Pilar Parcerisas, la recomiendo.
Las acciones de estos artistas vieneses se desarrollaron paralelamente a los happenings, al movimiento fluxus que en Europa potenciaron Beuys, Vostell y Paik, al grupo japonés Gutai, a los situacionistas franceses y a las importantísimas actuaciones feministas. Fueron movimientos fuertes que se alzaban contra el arte establecido por las galerias, críticos y museos y especialmente actuaban contra el cuadro y los objetos. Se propone un arte de performance a tiempo real. El accionismo vienés resulta más agresivo que el resto, contestando la pasividad y complicidad de Austria con el nacionalsocialismo. Parten de Freud para tocar de lleno el tema de las pulsiones, el deseo y la muerte. Los artistas:
Otto Muehl. Sus inicios fueron en el campo de la pintura a la que ha regresado nuevamente. El cuerpo humano es el objeto sobre el que actua. Destructivo, violento e irónico utiliza todo tipo de fluidos, ruidos, olores, luces, comida, deshechos en su proceso de terapía total y liberación de los instintos sexuales. En 1970 el arte pasa a la vida y crea una comuna que llega a tener 700 miembros donde hombres y mujeres deben mantener relaciones rotatorias, está prohibido enamorarse y no existe la propiedad privada. Algo salió mal en esta propuesta porque en 1991 entra en la cárcel por siete años acusado de abuso de menores y actualmente está en pleitos con miembros de la comuna por la propiedad de los cuadros que se hicieron en el transcurso de sus vidas en común. Sus acciones han sido muy contestadas por muchas mujeres artistas
Günter Brus también centra la acción en el cuerpo, especialmente el suyo, incorporándose pequeños objetos- instrumentosde tortura: alfileres, hojas de afeitar, una hacha, tijeras, tornillos, pinzas, etc. proporcionando imágenes de gran sufrimiento que oscilan del misticismo a la heroicidad. Utiliza el color blanco que destaca visualmente la herida, la línea o el instrumento. Sus auto-mutilaciones, algunas de ellas muy radicales, buscan la liberación a través del sacrificio. Desde 1970 se dedica al dibujo y a la escritura.
Las acciones más conocidas de Hermann Nitsch presentan la cruz cristiana y el misterio del sacrificio. El cordero desollado se erigirá en símbolo de esos excesos primarios como éxtasis dionisiacos. Sus "Das Origen Mysterien Theater" (Teatro Orgiástico y de Misterio), de componente sadomasoquista, reflejan el misticismo de la existencia.
Rudolf Schwarzkogler incorporó la filosofía oriental a su trabajo. “El arte es el purgatorio de los sentidos” y “la pintura como arte de curar” son dos conceptos que defendió a través de la crueldad y el sufrimiento como estética. Sus acciones se desarrollaban bajo la sugestión del dolor que recuerda los hospitales. Sus acciones eran íntimas y poéticas. Se suicidó en 1969 lanzándose al vacío desde la ventana de su apartamento. Hay mucha controversia sobre la teatralización de su performances.
No he podido colgar las acciones grabadas en la época ya que debido a su contenido no es posible insertarlas pero Youtube permite verlas a los usuarios registrados, os recomiendo: Otto Muehl-Kardinal y 1967 y SPK & Nitsch.
A mi pesar subo un refrito de fotografías que es lo único disponible de la época y una performance reciente que rememora las antiguas de Nitsch, espero que os hagáis un poco la idea y veáis la intensidad de sus propuestas..

Walking in an Exaggerated Manner around the Perimeter of a Square, (1967-68), Bruce Nauman

Bruce Nauman nace en 1941 en EEUU. Tiene una fuerte preparación intelectual. Estudia matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin y más tarde arte en la Universidad de California.
Trabaja con las propuestas del arte conceptual (la obra de arte como objeto receptor de los conceptos e ideas previas) y del body art (el propio cuerpo del artista es el soporte material de la obra-idea). Es un artista multimedia: escultura, fotografía, vídeos, performances e instalaciones de neones . Se interesa por el lenguaje y la capacidad ambivalente de éste. En muchas de sus obras crea una estructura narrativa desde diferentes puntos de vista y utiliza el sonido como un elemento esencial.
A finales de los sesenta exige al público que participe en sus performances.

SOS4.8, LUIS BERRIOS-NEGRON

Saludando a Ricardo Medina, le mando lo siguiente:
Uno de los artistas seleccionados en el FESTIVAL INTERNACIONAL DE ACCIÓN ARTÍSTICA SOSTENIBLE que se celebra en Murcia el 2/3 de mayo 2008 es el portorriqueño LUIS BERRIOS-NEGRON que junto a ERIC ADAMSONS construirán durante dos días un Caballo de Troya en cuyo interior el público accederá a las narraciones propuestas. Estas tendrán un carácter social y político. Anteriormente Luis Berrios-Negron ha participado en el PROGRAM - Initiative for Art and Architectural Collaborations, un proyecto que facilita la relación entre artistas, arquitectos, críticos y comisarios propiciando a través de exposiciones el entendimiento de la arquitectura. De ahí surge la performance-instalación "Verde que te quiero verde" que realizó en 2006 en Kabul. Los participantes en la "acción" se tiraron a una piscina olímpica en el monte Bibi Mahro con un enorme velo verde que después llevaron a lo alto de este monte donde lo instalaron. El velo estaba hecho de acetato de poliéster por un sastre de Kabul.
Actualmente vive en Alemania.

Filz TV, 1970, Shaving Performance, I like America, America likes me, Joseph Beuys

Fluxus fue un colectivo de artistas de diversas procedencias que, bajo su influjo, llevaron a cabo numerosas performances, obras multidisciplinarias y anti-convencionales intentando eliminar las barreras entre el arte y el público, abanderando un arte que se manifestaba en la vida cotidiana. No formaron un movimiento como tal ni compartieron un estilo único sino más bien tenían en común un estilo de vida y una actitud similar frente a la creación. John Cage, Maciunus, Name June Paik, Vostell, Yoko Ono incluso el propio Beuys lo fomentaron, aunque, por el carácter abierto del propio Fluxus, muchos de ellos tomaron caminos distintos.
Beuys fue uno de los impulsores del movimiento Fluxus en Europa pero pronto superó todos sus límites. Su lema, "todo ser humano es un artista", definió gran parte de sus acciones.
Nació en 1921 en Alemania. Durante la guerra fue piloto. Derribado en Crimea, unos nómadas tartaros le salvaron la vida revistiéndole las heridas de grasa y arropándole en fieltro para evitar su congelación. Este dramático episodio le llevó entre otras decisiones, a elegir la grasa y el fieltro como materiales artísticos cargados de energía vital. Estudió escultura en Düsseldorf, donde fue profesor de 1961 a 1972. En los años 70 y 80 desarrolló actividades en todo el mundo. Expuso en la Bienal de Venecia, el Guggenheim Museum de Nueva York y el Seibu Museum of Art en Tokio. En 1979 se presentó como candidato de Los Verdes para el Parlamento Europeo. Murió en 1986. Para Beuys, "todo ser humano es un artista" y cada acción, una obra de arte. El arte debía ser efímero como la vida.

Guitar Drag y otros, Christian Marclay

De la mano de José María Torres Nadal
¿Escultura, instalación, performance o audiovisual? No es necesario preguntar porque no tenemos que elegir, es todo a la vez, Christian Marclay utiliza discos de vinilo y tocadiscos para sus performance-actuaciones solo o con otros músicos. También los teléfonos o los timbres de bicicletas son el instrumento y el objeto a representar. El resultado exige una nueva percepción. Si queremos algo nuevo está aquí de la mano de todos esos objetos que han sido venerados y que reciclados vuelven para crear de nuevo momentos mágicos en nosotros.
Christian Marclay (1955, California) vive en Nueva York donde llegó a los veinte años para estudiar arte y donde quedó fascinado por las vivas actuaciones en directo de la música punk que han influido en él como los movimientos Fluxus y el Dadá.
Ha expuesto en numerosos museo y galerías: en Paula Cooper Gallery, New York, en el Whitney Museum of American Art yel año pasado en el Domus Artium de Salamanca.
Seguiremos con él.
"Cuando empecé a trabajar comencé a reciclar lo ya existente en vez de crear cosas nuevas. Me gustaban los materiales que contenían una carga histórica y la idea de manipular significados ya formados. me gusta jugar de una manera muy física con los discos, no con la música que contienen sino con los ruidos y sonidos que ellos mismos producen. Cualquier sonido, cualquier ruido que pueda extraer de los discos y de las mesas de mezclas me es útil."."Siempre sostuve la teoría de que el sonido grabado es sonido difunto. Los discos antiguos tienen esta calidad especial que les confiere el paso del tiempo, que supone una pérdida. Es música embalsamada. Yo intento darle vida a través de mi arte".

+ Brasil en el Reina, Suspension, 2007, Luiz duVa

En el Reina podéis ver Retratos in montion:o beijo pero como no está disponible os colgamos este audiovisual de Luiz duVa, una composición-performance multimedia presentada en el Projeto Multiplicidade, en Rio de Janeiro en 2007. Es una copy left de Creative Commons. Información en www.noema.art.br

Brasil en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Memoria do afeto, Beth Moysés

Del 21 al 29 de febrero del 2008 ciclo de cine, vídeo, performance y música de Brasil en el Museo Reina Sofia. El vídeo Memória do afeto de Beth Moysés recoge una performance de 120 mujeres vinculadas con la violencia de género que caminan vestidas de novia hacia la catedral de Brasil. Como no es posible colgar el vídeo original ponemos éste realizado por del Pozo sobre la performance. Está recogido en la web de la autora.

SRL Show , 2007, Survival Research Laboratories

En 1978 Mark Pauline crea el Survival Research Laboratories, un grupo de performance que sustituye la interacción de las personas de las performance clásicas por la de las máquinas provocando ruidos, estruendos y acciones destructivas que imitan el comportamiento militar con efectos especiales, fuego, explosiones y la destrucción de las máquinas y artefactos. Son actuaciones satíricas, teatrales, llenas de humor y no exentas de violencia. Siguiendo la definición de artefacto con la que Paco Mejías define la obra de Theo Jansen frente a los artilugios y artimañas, SRL propone con sus máquinas y sus performance un compendio de las tres definiciones.