Future materials, Copa FAD 2009, Martín Azúa y Citoplasmas

La copa se hace real con el sencillo gesto de verter un líquido, la copa se revela, una copa fluida y efímera para una nueva era donde los materiales serán los protagonistas. Citoplasmas ha sido el encargado de plasmar este material del futuro, generador de forma, de innovación y de sostenibilidad. La copa solamente és, existe, durante su uso. Citoplasmas
Con una puesta en escena muy contenida, Citoplasmas convierte la presentación de un nuevo material, Glass, creado por el FAD y el diseño de Martín Azúa, en un juego de manos en el que un elemento líquido toma diferentes formas: onduladas, concéntricas, etc. El protagonista de realizar esos mágicos juegos malabares es el propio Martín Azúa. Por su sencillez y poesía, el vídeo tiene tiene una gran fuerza expresiva.
Citoplasmas ha trabajado para Veterinarios sin fronteras y ha hecho pequeños cuentos animados para la televisión francesa, historias llenas de lirismo que cada vez se hacen más sabias.

Future materials, Copa FAD 2009 from citoplasmas on Vimeo.

I drink your bath water, 2008 Pipilotti Rist para Human Rights

Pipilotti Rist acomete el encargo de Human Rights desde sí misma al presentar una obra cercana a sus vídeos anteriores que defienden el arte que, como tal, es capaz de incidir en la sociedad y en la vida de las personas.

"Mi película nos ayuda a aceptar que somos más bien similares a un gusano húmedo......
El conocimiento y el arte pueden iluminar a la gente y hacerles pensar democráticamente, y los hace menos vulnerables a la desviación de poder. Quiero contribuir a esa tendencia." contesta en una entrevista sobre su contribución a la película Stories on Human Rights.

Dangerous Games, 2008, Marina Abramovic

"Hay otros significados, es mucho más sobre el fruto de nosotros mismos. Los niños son nuestro futuro, nuestro destino, qué les espera a nuestros hijos en una sociedad corrupta, violenta. Si le pides a un niño de cinco años que interprete una ejecución, sabe perfectamente cómo hacerlo. Lo ven en la televisión, en Internet, en todas partes. Es a lo que están expuestos. Y eso pasa en todas partes, pregunten a los niños españoles. Eso es lo que estamos haciendo a los niños, que son nuestro futuro y son el futuro de este planeta. Así que es sobre la humanidad, no es político". Marina Abramovic entrevistada por Isabel Laffont
Vamos a poder ver la obra deMarina Abramovic en varios centros de exposiciones. Actualmente está en Gijón en la iglesia de la Laboral. El trabajo trata de la violencia, de la extrema violencia que se sufre en muchos lugares y que rompe nuestro instinto básico de especie y nuestro sentimiento primario de ser humano al hacer partícipes directos de ella a los niños (y víctimas) y cómo esta violencia se representa impunemente y de manera voyeur en los medios de comunicación.
Marina Abramovic no es ajena a la violencia. Nacida en 1946 en Belgrado, sus padres lucharon como guerrilleros y ella misma en sus performances pone su cuerpo en situaciones de extremo peligro. Sus referencias a la muerte y a su propia muerte son contínuas ver Cleaning the mirror o como la representación de su propia muerte próximamente en el Teatro Real de Madrid a principios del año 2010.
Dangerous Games forma parte del proyecto de la Laboral. Este corto está rodado en el 2008 para la conmemoración de los Derechos Humanos, se rodó en Laos con un grupo de niños que reconstruyen escenas de guerra en la permeable frontera donde el juego y la trágica realidad conviven.

Seguimos con Visionarios en el Museo Reina Sofia, Dos veces adios,Nicolás Grum

Yo también he tenido mi momento Scarlett y me dije: "A Dios pongo por testigo que nunca...... que nunca volveré a ver una película más de valientes confederados y yanquees generosos" . Quizá por ello, durante la visión de Dos veces adiós, estuve pensando que a la chica de la izquierda le robaban la bicicleta lo que hubiese sido un final de la escena más actual, humano y divertido porque, seguramente, los personajes de la izquierda nunca sean tan míticos como la señorita Scarlett y su apuesto aspirante a confederado, pero también, seguro, que nunca serán tan pesados.
Ruego que Nicolás Grum me perdone esta intromisión en su obra y, para compensarlo, cuelgo Tour un recorrido en bicicleta alrededor de Santigo de Chile en el que se aprecian las diferencias socioeconómicas de la ciudad.

Visionarios en el Reina Sofia: Silvia Cacciatori

De Silvia Cacciatori (1962, Uruguay) podréis ver en el Reina Sofia Mala sangre (todo sobre la mujer inmunda), pero he preferido traeros prostituto,a , una animación del 2005 sobre las definiciones que hace la Real Academia Española de la palabra "prostituta".
Cacciatori hace una crítica acerada al uso del lenguaje como medida de presión y control sobre la mujer no sólo, como en esta obra, a través de algo tan cultural y respetado como pueda ser la Real Academia sino también lo hace a través de algunos escritos religiosos como ciertos pasajes de la propia Biblia que presenta en Mala Sangre que son el reflejo de una continua y soterrada violencia.
Trabaja la animación a partir de sus propios collages con imágenes en las que aparece la mujer como protagonista como maniquíes, publicidad o los mismos retratos de la historia del arte.

Visionarios, audiovisual en Latinoamérica en el Museo Reina Sofia, Acción vandálica en mi linda Costa Rica, 2004, Alejandro Ramírez

Dedicado a Carmen y a Saik_o.
Del 18 de mayo al 15 de junio 2009 en el Salón de actos del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofia

se ha programado una extensa muestra del audiovisual en Latinoamérica (entrada gratuita). Os traigo este divertidísimo vídeo de una "Patriotic song vandalized as graffiti in the walls of San Jose" de Alejandro Ramírez que forma parte de los seleccionados (¡con toda justicia!).
La ciudad se convierte en un karaoke y las paredes, cubos y enseres en las pantallas donde los grafittis dictan la canción para que la sigamos.

Flix, Mark Leckey

Volvemos...
No puedo sustraerme de comentar que Flix es un pueblo de Tarragona rodeado de unas tierras sometidas a una extrema áridez de la que se salva al estar situado en un menadro (flexu en latín) del ríoEbro cuyas aguas dan vida a los campos cercanos y hacen posible las huertas. El paisaje sigue siendo primigenio a pesar de contar con una central hidroeléctrica y con importantes industrias químicas que hoy son noticia ya que Ercros ha anunciado hacer una suspensión temporal de empleo lo que, para un pueblo de 5000 habitantes, será totalmente descorazonador. Flix tiene varios edificios históricos a los que quizá se sumen estas industrías cuyas instalaciones son realmente espectaculares y desoladoras. Desde el tren llaman la atención sobre el destino de estas tierras.
Flix también es una aplicación que utiliza la cámara digital o la cámaraweb para crear películas con una intencionalidad parecida a la Stop Motion.
Flix también es el título del video de Mark Leckey (1964, Gran Bretaña) que os traigo. Este artista ganó en el 2008 el premio Turner por "haber encontrado una variedad de formas con las que comunicar su fascinación por la cultura visual" por su exposición, Industrial Light & Magic, en la que combina la escultura, las proyecciones, el sonido y la interpretación. Tiene una factura simple, eficaz y un tanto humorística que se sustenta en un fuerte conocimiento del arte. Onement, el cuadro de Newman, se anima quitándose el peso de lo sublime y haciendo que el zip pierda su rigidez.

Olga Diego estrena web

La nueva web-blog de Olga Diego es muy completa y os podréis hacer una buena idea de su trabajo y de la variedad y profundidad de sus proyectos. Os he traido unos segundos de su "pesca de altura", unas tomas aerostáticas en la ciudad de Alicante y otra que hizo en el Cairo con tomas a pie de suelo. Ya había hecho anteriormente tomas aerostáticas pero en espacios abiertos fuera de la ciudad como la que os puse hace unos meses de la playa del Carabassí en donde ella misma se sube al globo. El reportaje fotográfico de la acción en la playa (incluye a su perro alado y a la policía) está recogido en la web. Estos videos los expuso en el Cairo y más tarde en la Lonja de Alicante en lel marco de la exposición De una parte a otra. "Dos construcciones preformativas que invitan a contemplar las dos ciudades desde perspectivas tan forzadas como sugerentes" Olga Diego.

Historia del alacrán enamorado, Bestué-Vives

Bajo la cama de Federico García Lorca, David Bestué y Marc Vives han creado un dramático teatro de insectos. Acompañados de otros animalitos, la señora araña, el vengativo alacrán y la alegre y fresca caracola protagonizan una historia muy lorquiana pero, en esta ocasión, tan negra como divertida. Se trata de unas "bodas de sangre" a las que han añadido ironía y actualidad. La novia ya no es una inocente muchacha sumida en su primera pasión sino es una estudiante un poco vaga y un poco caradura; su madre es comprensiva y vital por lo que la venganza del alacrán resulta más propia de un envidioso aguafiestas que de un novio ultrajado. Hoy el honor ya no depende del amor ni la pasión sino de otras cosas, por suerte.
Historia del alacrán enamorado forma parte de la exposición colectiva EVERSTILL comisariada por Hans Ulrich Obrist para la Casa-Museo Federico García Lorca y producido por la Fundación Federico García Lorca y SECC.

En el Reina Sofia.... Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007 con Thoneteando de Pablo Reinoso

Siguiendo con Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007 traemos Thoneteando de Pablo Reinoso (1955, Buenos Aires) .
Reinoso es un artista multidisciplinar: escultor, fotógrafo, vídeoartista, es también un reconocido diseñador de grandes firmas de moda como Givenchy, Loewe, etc. Thonetenado es un vídeo de factura simple pero de contenido barroco. Sobre un espacio extremadamente blanco una mujer busca acomodarse física y psíquicamente a unas esculturas realizadas a partir de las sillas Thonet. Ese infructuoso "acomodo" nos acercaría a un humorístico teatro del absurdo si no fuera porque esas esculturas son tan potentes, cálidas y conocidas que rivalizan con una maravillosa Blanca Li cuya extraordinaria actuación deja espacio para la reflexión sobre el arte, las formas y los recuerdos.
“La obra parece encarnar un sistema (de producción) capaz de materializar un catalogo inagotable de posibilidades combinatorias, como lo fue el catalogo Thonet de 1904, con sus 3.500 modelos”. Pablo Reinoso

Sleepwalkers, 2007, Doug Aitken en Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007. Museo Reina Sofia

Dedicado a Olga Diego.

El museo Reina Sofia de Madrid presenta desde el 23 de marzo al 8 de abril un ciclo dedicado a Lo mejor de la KunstFilmBiennale 2007, una bienal organizada por la ciudad de Colonia.
Un siglo después de que los futuristas gritaran al mundo "Todo se mueve", Doug Aitken (1968, California) nos dice "Estaremos seguros mientras todo se mueva" , una aseveración obvia no exenta de ironía, que fue el título de su exposición en la Caixa Forum y en la sala Rekalde en el 2004.
Trabaja con fotografía, escultura, videos a instalaciones, algunas de ellas de grandes dimensiones interactuando con la arquitectura y los espacios públicos.
Sleepwalkers fue expuesta en el MoMA. Se componía de ocho proyecciones de gran tamaño que colgaban de los muros exteriores del museo, de modo que fuera visible desde la calle. En las pantallas aparecían Tilda Swinton, Donald Sutherland, Chan Marshall (Cat Power), Seu Jorge, y Ryan Donowho repitiendo las mismas acciones en lugares similares porque.... como todos los seres, somos únicos y, a la vez, somos como todos inmersos en un paisaje común que, en este caso, remite a los más puros cánones de la arquitectura moderna que por asumida no deja de ser misteriosa y muy hermosa.

El Curso de las Cosas ("Der Lauf Der Dinge"), 1987, Peter Fischli, David Weiss

Peter Fischli (1952,Zurich) y David Weiss (1946,Zurich), trabajan juntos desde 1979. Sus trabajos abarcan diferentes formatos: el vídeo, la fotografía, la escultura y el cine. Los temas también son muy diversos pero todos ellos, la serie Flores, Aeropuertos o sus esculturas de salchichas, etc, etc, tienen un sentido de la ironía y del absurdo totalmente impregnado de magia. Pertenecen a un mundo en el que parece que todo sea posible.
Suizos como Tinguely, como él, abordan "mecanismos de precisión en el vídeo El curso de las cosas pero en vez de divertidas y caricaturescas máquinas, como hacía Tinguely, desarrollan una auténtica y rocambolesca máquina de Golberg.
Las máquinas de Golberg son unos aparatos con unos mecanismos muy complejos y enrevesados para realizar una tarea muy simple y sin importancia y que por si fuera poco no garantiza el resultado. En España teníamos los maravillosos inventos del TBO que ahora ha recuperado la Cuatro en el Hormiguero pero ya totalmente impregnados de El Curso de las Cosas.
El Curso de las cosas es un vídeo de unos treinta minutos de duracción que se presentó en la VIII Documenta en el que de una manera minuciosa objetos de la vida cotidiana, neumáticos, teteras, botellas, rampas... van enlazando acciones a través de procesos mecánicos, físicos y químicos que incluso desarrollan efectos pirotécnicos. Una auténtica joya de un cinetismo posmoderno.

Modulador Espacio Temporal, 1922-1930, László Moholy-Nagy

László Moholy-Nagy (1895-1946, Hungría-Chicago). A pesar de su dedicación a la pintura fue en el campo de la fotografía donde sus investigaciones tuvieron mayor importancia. Junto a su esposa Lucia Shulz hizo muchos descubrimientos que le llevaron en 1923 a la Bauhaus donde se hizo cargo del taller de metales (donde siguió experimentando con la fotografía) hasta 1928 que le sustituyó Albers. En sus clases contagia su entusiamo por las máquinas que analizaba detalladamente y sacrificó el dibujo por los objetos tridimensionales “construidos” con materiales nuevos, plexiglás, cristal o metal siempre en equilibrio asimétrico, hecho que favoreció y determinó en bastante medida el desarrollo de la escultura moderna. En 1925 publicó “Pintura, Fotografía, Film”,una de las primeras publicaciones sobre el tema estableciendo la relación entre la pintura y la fotografía. La primera era el medio en el que se daba forma al color mientras que la fotografía servía para comprender el fenómeno natural de la luz lo que le valió ser reivindicado como pionero del arte cinético.
Trabajó sobre un "Modulador Espacio Temporal", una pequeña escultura de distintos materiales movida por un motor para hacer chocar los distintos elementos que la componían consiguiendo sonidos y un continuo tintineo y a través de la iluminación, luces, formas y sombras. Con ello quería elaborar una especie de alfabeto gráfico capaz de crear música sintética a partir de la lectura óptica de las células fotoeléctricas de las formas que se dibujaban por lo que también fue un precursor de la música electroacústica.
Debido al avance de los nazis en Alemania emigró, como tantos otros componentes de la Bauhaus, a EEUU donde continuó su labor docente.

Breve documental sobre una réplica del "Modulador Espacio-Temporal" para el Van Abbe Museum,Holanda.

Volcano Saga, 1989, Joan Jonas

A finales de los años sesenta el arte se abrió como no lo había hecho desde las primeras vanguardias, la incorporación de las mujeres contribuyó a ello al aportar una experiencia distinta y una mayor complejidad frente al discurso reinante. De entrada el trono conseguido por el expresionismo abstracto y más tarde por el minimal por su radicalidad artística quedó totalmente soprepasado por la proliferación de objetos de dudoso gusto y forma que ni siquiera alcanzaban el reconocimiento de los iconos sacralizados del pop. Eva Hesse, Nancy Spero o Louise Bourgeois sorprendieron con sus cuerdas colgantes y sus objetos blandos como también lo hicieron un grupo numeroso de chicos y chicas que se dedicaron a las performances, al body art y, como no, al vídeo. Joan Jonas (1936, New York) empezó, como muchos de ellos, con performances colectivas con una atención especial a la danza. Compañera de Richard Serra, amiga de Robert Smithson, Nancy Holt o Peter Campus compartió trabajo y experiencias con todos ellos.
Volcano saga está lejos de sus primeros y más experimentales trabajos. Es un vídeo de larga duración lleno de efectos digitales basado en una saga islandesa del siglo XIII, la Laxdaela Saga. El paisaje se convierte en el mejor aliado para entender la fuerza de los mitos, de las esperanzas y de los sueños.

Nanofania, 2003, Cao Guimarães

Dedicado a Rodolfo Poveda y su Trópico Utópico al que, si bien no atendemos con videos de Milton Nascimento y Clube da esquina, recordamos a todos ellos con otro brasileño Cao Guimarães que nos lleva al mundo de la sublime sensibilidad. Ya lo habíamos traído con Da janela do meu cuarto que os recomiendo volver a ver.
Guimarães (Belo Horizonte- Brasil, 1965) tiene una obra extensa: largometrajes, cortos, instalaciones y fotografías que refejan un mundo, a veces hermoso, pero siempre lleno de dolor. Ha expuesto en numerosos museos, como el MoMa de NY, el Reina Sofía de Madrid, la Tate Modern, el Museu de Arte Moderna de São Paulo y un largo etcétera y sus largos en el Festival de Locarno, el Sundance Festival y tuvo un premio en el Festival de Venecia.
Nanofania es un corto de una gran sencillez: unas pompas de jabón que explotan en su vuelo sobre un paisaje en blanco y negro y unas moscas que marcan la cadencia de unas notas del piano... No mucho más para contar pero sí para ver, oir y sentir...
No estaría mal que recordáramos a Bigas Luna y su collar de moscas y a Gonzalo Puch y sus pompas volando por el bosque que vimos hace unos meses.

Nanofania / Cao GUIMARAES
Cargado por VIDEOFORMES

De una parte a otra, Alicante, Adios a las armas, Cayetano Ferrández

De una parte a otra se inaugura en la sala La Lonja del Pescado de Alicante el viernes próximo. Es la segunda parte de la exposición que hicimos en El Cairo. Son audiovisuales y fotografías. Recoge trabajos hechos en Alicante y en El Cairo. Para los que no podáis asistir (estará hasta el 18 de enero), os cuelgo un video de Cayetano Ferrández en espera de otros. De lo que expuso Paco Valderde y Olga Diego ya hice unas entradas recientemente y de mis vídeos, Urdimbre y Tramas, también por lo que os podéis hacer una idea de la exposición.

Adios a las armas. Cayetano Ferrández

Weighing... and Wanting, 1997, William Kentridge

Volvamos a William Kentridge. Para los que ya estabáis aquí hace más de un año viendo Felix in Exile o Journey to the moon ya sabéis de su estilo conciso, doloroso y hermético y también de su animación creada dibujo a dibujo con carboncillo, un poco de guache y pastel. También que es sudafricano y que ha expuesto en los más importantes museos, galerías y bienales. No pasa desapercibido como tampoco pasará desapercibido a los que lo veáis por primera vez.

Three transitions, 1973, Peter Campus

"De todos los lenguajes, el más denigrado es la imagen sonora en movimiento que encajona y proyecta el televisor. Pero desde el mismo nacimiento de la televisión, nació una corriente artística que utilizó el vídeo como lenguaje artístico - creativo y crítico-, que produce otras realidades, no las reproduce, y que es una vía de acceso al pensamiento y a la crítica de las percepciones más familiar que la letra para las generaciones más jóvenes" Josep Massot
"Al principio, en los setenta, nadie la daba importancia. El Whitney lo introdujo en los museos y ya en los noventa quedó legitimado, gracias a cuantos hicieron una labor de zapadores previa. Yo le debo a Bruce Nauman lo mismo que los que me han seguido dicen que me deben a mí. El peligro ahora es que el virtuosismo técnico se separe del verdadero mensaje. Desde el punto de vista científico, el vídeo no es más que física cuántica. Yo trabajo mucho con la luz y con la manera en que impregna la imagen, la minuciosa manipulación técnica de las imágenes para lograr efectos precisos. Mi proceso creativo es similar a las matemáticas. Y en mi obra hay referencias al menos a diez áreas" Peter Campus. Ambas citas pertenecen a la entrevista que Josep Massot le hizo en La Vanguardia.

Peter Campus (1937, Nueva York) cursa psicología experimental en la Universidad de Ohio, estudios que, más tarde dedicado de lleno al video, le sirven para investigar sobre la naturaleza y la fisiología de la percepción lo que será un tema recurrente en toda su obra. En 1971, en los inicios del videoarte, presenta presenta una serie de trabajos monocanal llamados Dynamic Fields Series. A partir de 1972, Campus empieza a exponer sus instalaciones de video, usando monitores, cámaras en vivo y proyectores sin ningún dispositivo de grabación.
Three Transitions son tres autorretratos creados por dos cámaras grabando al mismo tiempo utilizando el efecto Chroma y la tecnología para superponer las imágenes. Tiene algo destructivo pero también algo humorístico que nos transporta a los espectáculos de magia.
Sus trabajos se han expuesto en la Bienal de Sâo Paulo, 1975; Documenta 6, 1977; Bienal de Venecia, 1978; Bienal de Lyon, 1995; y el Whitney Bienal, 1993 y 2002.
Campus ha sido profesor de arte en el Departamento de Arte y Profesiones de Arte, de la Universidad de Nueva York.

See you All, Koudlam, Cyprien Gaillard

En una entrada anterior dedicada a Estratos presentamos a Koudlam cantando esta misma canción bajo un video de Cyprien Gaillard y Desniansky Raion. La proyección recogía el encuentro de dos "aficiones futbolísticas".
See you All es la canción grabada de este mismo tema y su videoclip recoge también el mismo acontecimiento. Está en el album "Live at Teotihuacan" en Pan European Recording. Traemos este videoclip para que lo veáis-escuchéis porque vale la pena.

Tramas (fragmento) 2008, Teresa Lanceta

Tramas

"Para un botánico una trama es una floración, para un escritor es un argumento; las noticias refieren una trama como una confabulación en perjuicio de alguien o de muchos pero para un tejedor la trama es, por encima de cualquier otra acepción, un conjunto de hilos paralelos que cruzados con los de la urdimbre construyen el tejido el cual no es sólo un objeto utilitario sino también un estandarte de cultura.
El botánico, el escritor y el tejedor no sólo comparten un término sino que además, como gran parte de los seres humanos, son presa de tramas confabuladas, algunos de ellos desde niños.
Las tramas floreadas de este video se han hecho sobre la urdimbre que enmarca un telar como las manos de los pequeños tejedores de Sakkara.
Agradezco a los pequeños tejedores de Sakkara su resistencia a ser tomados solamente como pequeños tejedores. Los niños no tejen tramas floreadas sino ellos mismos son flores frágiles necesitadas de atención. De ellos son las voces que escuchamos y los sonidos, todos ellos, de mi telar”

Sobre la urdimbre que utilicé para crear Urdimbre proyecté fotografías de flores que había estado tomando en mis paseos con la Luna y que quería completar en Egipto con imágenes de manos de mujeres tejiendo pero la mayor parte de talleres son niños los tejedores.... Ellos han ido imponiendo su presencia en el video y han dirigido este trabajo que hoy se presenta en la XI Bienal del Cairo.
Como en el anterior he tenido la colaboración de Pablo Pereda (www.nimagina.com) en la edición y de Adrian Iborra (www.ideasdelaboratorio.com) en el sonido. La duración es de 3m20s.

Tramas (fragmento) Teresa Lanceta from Teresa Lanceta on Vimeo.